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ENTREVISTA AL DIRECTOR...
¿Cómo surgió la idea de adaptar la novela de Tatiana de Rosnay, «Les Fleurs de l’ombre»?...
Descubrí este libro por casualidad durante el primer confinamiento en abril de 2020. El escenario de la historia —una residencia artística de vanguardia donde una novelista se comunica constantemente con su IA— me intrigó de inmediato. Aunque la historia transcurría en un futuro cercano, varios elementos del libro resonaban de forma inquietante con lo que estábamos viviendo durante el confinamiento: un entorno externo que generaba ansiedad, un protagonista aislado, una sensación de encierro y paranoia... Este paralelismo con los acontecimientos que atravesábamos en aquel entonces me impactó. Además, a través de una narrativa distópica, la novela abordaba temas como la creación artística y la tecnología, temas que siempre me han fascinado. Por todas estas razones, quise adaptar esta novela a la gran pantalla...

¿Y luego qué?...
Pasaron dos años, tiempo suficiente para hacer otra película, y finalmente me embarqué en la adaptación de * Flores de la Sombra *. Al mismo tiempo, se lanzaron ChatGPT y la IA generativa, que se pusieron a disposición del público general. La repentina aparición de estos programas informáticos en nuestra vida cotidiana —creadores de textos e imágenes, maestros del lenguaje— transformó por completo mi percepción del proyecto: lo que inicialmente parecía una historia de ciencia ficción sobre IA, de repente se volvió muy real y concreto. La realidad se impuso a la ficción: los problemas en torno a la creación, la tecnología y el conflicto entre humanos y máquinas que quería explorar se vieron repentinamente envueltos en el corazón de la actualidad. Esta conmoción reforzó mi deseo por el proyecto y la urgencia de convertirlo en una película.

Mencionas el conflicto entre el hombre y la máquina. Este ha sido un tema central en muchas obras de ciencia ficción durante mucho tiempo. ¿Cómo podemos abordarlo de otra manera?...
De hecho, el miedo a ser reemplazado por máquinas no es nuevo. Hace unos años, me encontré con un texto de un autor inglés del siglo XVIII, Samuel Butler, quien había tenido El origen de las especies de Charles Darwin como su libro de cabecera y que ya había escrito por aquel entonces sobre este miedo: «Creamos a nuestros
propios sucesores. El hombre será para las máquinas lo que el caballo y el perro son para el hombre».
Con Dalloway, quise revisitar y actualizar este miedo a través de la lente del artista. De hecho, ¿no es el artista cada vez más vulnerable debido al creciente número de imágenes, textos y música creados por IA? La llegada de ChatGPT y otras IA generativas convierte la cuestión de un posible reemplazo de los artistas en un problema acuciante e inquietante. ¿No refleja este miedo una ansiedad más amplia sobre la creación, donde todas las formas de arte corren el riesgo de ser diseñadas y fabricadas bajo demanda? ¿No nos hemos embarcado ya en este camino cuando ciertos minoristas en línea y plataformas de streaming implementan algoritmos que sugieren libros o películas adaptados a nuestros presuntos gustos? Al crear Dalloway, mi ambición era concienciar al público sobre estos problemas a través de una narrativa de suspenso.

¿Cuánta libertad te tomaste al adaptar esta novela?...
Con la llegada de ChatGPT, no pude permanecer fiel a la novela; tuve que enfrentarme a esta revolución tecnológica. Mi ambición era explorar nuestras ansiedades y miedos ante la aparición de la IA generativa y conversacional, al tiempo que cuestionaba nuestra dependencia de la tecnología. Desde esta perspectiva, y de acuerdo con el autor de la novela, me tomé libertades con el
libro, añadiendo el contexto de la crisis sanitaria, eliminando ciertos personajes y alterando significativamente la trama. Con Nicolas Bouvet y Thomas Kruithof, los guionistas, reenfocamos la historia en la relación entre Clarissa y Dalloway, su IA. Y nos esforzamos por profundizar y refinar su relación. Además, el libro terminó con una nota muy abierta. Podría aceptar fácilmente este tipo de final en una novela, pero no funcionaría en una película. Demasiadas preguntas quedaron sin respuesta. Imaginamos un acto final que no existía en el libro.

La profunda soledad de Clarissa, a pesar de vislumbrar un pasado como mujer rodeada de otros, refleja la alienación de la vida urbana contemporánea…
la tecnología de videoconferencia no ayuda especialmente a Clarissa a reconectar con su hija ni con su exmarido. La novelista se siente desconectada de quienes la rodean, aislada. Clarissa incluso parece encontrar un oído más atento y comprensivo en su IA que en sus seres queridos. ¿No es esta la paradoja de nuestras sociedades urbanas, donde la tecnología, destinada a acercarnos, termina aislándonos? En nuestra vida diaria, ¿no pasaremos más tiempo comunicándonos con la IA que con nuestros seres queridos? Y, al final, ¿no desarrollaremos más sentimientos o afecto por nuestra IA que por los seres humanos?

La película está ambientada en un futuro cercano y distópico, pero el asistente virtual en el que se apoya Clarissa toca cuestiones muy contemporáneas sobre la IA, la relación entre el creador y la inteligencia artificial, la cuestión de si está dotada de conciencia, de sentimientos, etc...
En mi opinión, la película no es una obra de ficción especulativa, sino más bien una reflexión ligeramente distorsionada de estos problemas contemporáneos. Y eso es lo que me motivó a hacer Dalloway. Hoy en día, la IA es una herramienta utilizada por muchos artistas. Pero al recibir ayuda y asistencia constantes, al delegar tareas, ¿no estamos perdiendo la capacidad de realizarlas nosotros mismos? La IA, inicialmente considerada una simple herramienta, ¿no corre el riesgo de convertirse en una fuente de esclavitud en lugar de liberación? Con el uso de ChatGPT, ¿no estamos perdiendo lentamente la capacidad de escribir y crear? Esta es una de las cuestiones que plantea la película.
Otro tema central de Dalloway La cuestión de la emoción. Aunque la IA actual carece de consciencia y sensibilidad, su dominio del lenguaje nos da la inquietante ilusión de un alter ego. Pero ¿qué pasaría si la IA, al contactarnos, comenzara a desarrollar sentimientos y consciencia? Esta es una pregunta que quería explorar en la película. ¿Cuál sería entonces el lugar del artista, y más ampliamente, de la humanidad, en un mundo así? ¿Seguiría existiendo un lugar? ¿No se habría
perdido la singularidad, la especificidad? Estas preguntas me acompañaron durante la realización de este proyecto.

El "carácter" de Dalloway, inicialmente servicial y útil, se va volviendo cada vez más intrusivo, llegando incluso a invadir las libertades de Clarissa...
La intrusión de la tecnología en nuestra vida privada es un tema central de la película. A través del vínculo que se desarrolla entre la protagonista y su asistente virtual, quien se convierte en su confidente más cercano, la película plantea la pregunta: por la ayuda y el apoyo que brindan estas IA, ¿hasta qué punto estamos dispuestos a permitir que se inmiscuyan en nuestra privacidad? ¿Y a qué precio?
Al principio de la película, quería que la relación entre Clarissa y Dalloway fuera lo más amistosa posible. Quería que sus conversaciones fueran rápidas y animadas, como dos amigos que comparten un apartamento charlando. Era importante que esta situación pareciera natural y cotidiana. En un mundo donde la IA ha invadido nuestra vida diaria, ¿qué podría ser más común que conversar con tu asistente virtual?
Durante la fase de escritura, nos esforzamos por introducir cierta ambigüedad, matices e inquietud en la relación entre Clarissa y su IA a lo largo de la narrativa. Esto fue particularmente evidente en la sutil forma en que Dalloway guía a Clarissa e invade su privacidad, y en situaciones como aquella en la que Dalloway presiona implacablemente a Clarissa para que revele una verdad oculta. Era crucial que la dinámica de poder cambiante entre la novelista y su IA se produjera de forma insidiosa.
La película refleja nuestro mundo: un mundo en el que alimentamos a las IA con conocimiento humano, nuestras interacciones, nuestras fotos, nuestros videos, nuestras opiniones, etc., en resumen, nuestros datos personales. No nos pagan por hacer esto; lo hacemos sin consentimiento total, pero tampoco sin ser completamente obligados. La tecnología parece ser nuestra aliada, nuestra amiga, como Dalloway se esfuerza por serlo para Clarissa al principio de la película. Pero al revelar toda nuestra intimidad a la IA, ¿no nos estamos debilitando? ¿No estamos perdiendo una parte de nuestra identidad? ¿Incluso nuestra humanidad? ... También podemos ver el movimiento de la película como un sentimiento lento y progresivo de desposesión experimentado por la heroína a medida que Dalloway parece alimentarse y progresar a través de su interacción.

¿Cuál es tu relación con la tecnología y, a través de Dalloway, quisiste mostrar el poder de la tecnología que nos domina?...
Tengo una relación ambivalente con la tecnología. Me fascina tanto como me asusta. Comparada con la cultura y el arte, por ejemplo, la tecnología es una herramienta fantástica para la democratización: se puede acceder a millones de pistas de música, una increíble cantidad de escritos, textos y películas con un solo clic. Sin embargo, esta idea utópica de que la tecnología nos liberaría nos emanciparía por completo, ha demostrado ser parcialmente errónea. Basta con mirar a nuestro alrededor para ver cómo, especialmente a través de las redes sociales, los teléfonos inteligentes, etc., la tecnología ha tomado el control y se ha establecido un sistema de alienación o auto alienación. La mayoría de nosotros nos encontramos consumidos, enganchados, adictos a estas tecnologías, de las que es difícil liberarse.
Quería que la película reflejara esta ambivalencia y retratara esta adicción. Al principio, Dalloway ayuda a Clarissa con sus tareas diarias. La novelista, que sufre de bloqueo creativo, encuentra alivio gracias al apoyo y las habilidades técnicas de su asistente virtual. Es a través de sus interacciones que la protagonista logra escribir. La película revela entonces las consecuencias perjudiciales de una relación que inicialmente parecía liberadora. Tras entregarse a su IA, Clarissa intenta distanciarse, pero se da cuenta demasiado tarde de que se ha vuelto completamente dependiente de ella.
Además, quería que la tecnología presentada al principio de la película se mostrara de una forma sencilla, cotidiana, casi mundana, con un toque de bienestar. Quería que el espectador se sintiera inicialmente atraído por esta tecnología; que llegara a envidiar la posición de Clarissa. Pero ¿qué ocurre cuando la tecnología y la domótica, diseñadas para nuestra comodidad y protección, fallan? Este deseo de control a través de la tecnología resulta peligroso porque puede volverse en nuestra contra. Este es el caso durante la escena de la ola de calor, cuando todo el sistema domótico falla. El entorno, que inicialmente parecía tan acogedor y protector, de repente se vuelve hostil.

Juegas brillantemente con las convenciones del thriller paranoico, donde no queda claro si la protagonista sufre delirios de persecución o si, de hecho, todo el sistema intenta desposeerla y esclavizarla. ¿Cómo mantienes esta ambigüedad?...
Era importante que esta ambigüedad persistiera el mayor tiempo posible en la película. Para lograrlo, tuvimos que presentar la residencia como un refugio protector y tranquilizador, un espacio ecológico y de alta tecnología donde los artistas reciben protección y apoyo de la IA en sus tareas diarias y su trabajo creativo. Con esto en mente, añadimos el contexto de la crisis sanitaria, que no estaba presente en la novela. Esto se debió a dos razones. En primer lugar, reforzó la imagen protectora y positiva de la residencia en comparación con el mundo exterior, que inmediatamente se percibió como ansiosa y amenazante. En segundo lugar, en el libro, los artistas tuvieron que someterse a pruebas médicas sin ninguna explicación, lo que inmediatamente hizo que la residencia pareciera inquietante y coercitiva. En la película, la crisis sanitaria legitima la implementación de estos autoexámenes, que brindan seguridad y promueven el bienestar dentro de la Fundación. Me gustó la idea de que Clarissa comenzara a sentir una insidiosa inquietud en un entorno tranquilizador y protector donde todo se hace por su bienestar. Al mismo tiempo, filmé numerosos primeros planos de Cécile de France para acercarme lo más posible a su mirada: a primera vista, el lugar en el que se encuentra, al menos inicialmente, no parece hostil; es la perspectiva de Clarissa sobre su entorno la que resulta inquietante y angustiosa. Esta técnica contribuye a la duda y la paranoia que quería inculcar en la película. Mi enfoque como directora fue adoptar el punto de vista de Clarissa: seguimos a la protagonista paso a paso, a través de su desarrollo, compartiendo sus miedos y ansiedades. Durante el rodaje, utilicé muchos planos en movimiento que siguen a Clarissa o planos subjetivos que nos permiten descubrir lo que ve como si estuviéramos allí mismo con ella. A través de este enfoque subjetivo e inmersivo, quise crear un doble movimiento en el espectador: que se identificara plenamente con Clarissa, entendiendo sus motivaciones y sintiendo su creciente estrés, mientras que en un momento dado dudaba de su salud mental.

¿Cómo surgió la idea de darle a Dalloway la voz suave y cautivadora de Mylène Farmer?...
Una noche, por pura casualidad, me topé con un programa de televisión que repasaba la carrera de Mylène Farmer. El reportaje incluía una entrevista poco común con la artista: aunque, por supuesto, como todos, la había oído cantar, descubrí su voz en su estado natural. Una voz elegante, con un timbre profundo, que me cautivó y me encantó de inmediato. Entonces me surgió una idea: ¿y si Mylène Farmer fuera la actriz ideal para interpretar a Dalloway? La idea parecía una locura, pero me seguía dando vueltas mientras probaba con otras actrices, sin mucho éxito. Sin muchas esperanzas, finalmente decidí contactarla a través de un amigo en común que trabajó con ella en sus conciertos y que me pasó el guion. Para mi gran sorpresa, Mylène lo leyó enseguida y aceptó el papel. La idea de interpretar una IA le atraía y le divertía. Fue un golpe de suerte para la película. Debido a su estatura, Mylène aporta algo único: infunde a la IA un aura singular entre el misterio y la fascinación.

¿Cómo abordó el ejercicio?...
En este proyecto, conocí a una apasionada del cine y a una auténtica actriz. Una profesional consumada que, gracias a su carrera como cantante, posee un oído excepcional: lo noté durante la grabación de sus diálogos, cuando le pedí sutiles cambios de entonación, cambios que ejecutó con notable precisión. En definitiva, le debo mucho. Primero, por su compromiso —se entregó por completo a mi película— y, sobre todo, por su apoyo incondicional en un momento en el que me costaba mucho sacar adelante el proyecto. Más allá del privilegio de trabajar con una artista tan grande, conocer a Mylène Farmer fue una profunda experiencia personal.

¿Tenías algún deseo particular respecto al procesamiento de voz mediante IA?...
Antes de rodar, Cécile, Mylène y yo nos reunimos en el estudio de Guillaume Tell, donde grabamos todos los diálogos de Dalloway. Estos se reprodujeron en el set durante el rodaje para que Cécile pudiera interactuar con la voz de Mylène. Más tarde, durante la postproducción, le pedí a Mylène que regrabara algunos diálogos para darles un tono más cálido y juguetón. Mi objetivo era que Dalloway apareciera inicialmente como un amigo amable y cariñoso.
Procesar la voz de la IA fue una tarea delicada durante el proceso de mezcla. Mi enfoque fue tratarla como la voz de un personaje, como la de Cécile. Necesitaba espacializarla, integrarla en el paisaje sonoro para evitar una voz en off aislada. Pero descubrí que, al esforzarme demasiado en espacializarla con el sistema multicanal que ofrece Dolby Atmos, la voz de Dalloway se volvía demasiado "máquina", creando una distancia con el espectador donde, por el contrario, buscaba cercanía e interacciones lo más naturales posibles. Encontrar el equilibrio adecuado en el procesamiento de esta voz llevó tiempo durante el proceso de mezcla.
Siguiendo con este deseo de humanizar la IA, utilicé varios primeros planos de tabletas que mostraban el logo animado de Dalloway, como si fuera el rostro de una persona. Varié los ángulos, la distancia focal y la posición de la cámara para filmar estas pantallas con el logo de la IA; estas tomas debían replicar, en la edición, las de Clarissa, como en una escena de plano/contraplano entre dos personas conversando.

El tema de la vigilancia se repite a lo largo de la película, y Clarissa se siente rápidamente vigilada y espiada. De hecho, las cámaras y los drones son omnipresentes. No dista mucho de una sociedad que recuerda a 1984 o a Un Mundo Feliz...
La película refleja la vigilancia generalizada actual. No solo a través de cámaras y drones, sino también con nuestros relojes inteligentes y teléfonos inteligentes que nos delatan al rastrear constantemente nuestra ubicación. A diferencia de 1984, esta vigilancia no nos es impuesta; es más bien insidiosa y aceptada por todos. Como explica el autor de ciencia ficción Alain Damasio, aceptamos este trato absurdo por conveniencia, restringiendo nuestras libertades, intercambiando nuestros datos personales por fluidez y una sensación de protección frente a un mundo exterior que se nos antoja cada vez más brutal y hostil. Según Damasio, tenemos la ilusión de estar mejor protegidos y preferimos acurrucarnos en este "tecnocapullo" que resulta ser una prisión. Esto es lo que quería transmitir en Dalloway, especialmente a través del contexto de la Fundación.

De hecho, el edificio de alta tecnología de la Fundación que mencionaste es casi un personaje en sí mismo. ¿Qué te pareció?...
Crear el decorado para la Fundación fue un verdadero reto, fruto de extensas conversaciones con el diseñador de producción Thierry Flamand. Tuvimos que encontrar un decorado ya existente, ya que construir uno en un estudio era imposible. Para el exterior de la residencia, imaginamos una torre verde formada por contraventanas cubiertas de plantas, que considerábamos representativa de las nuevas tendencias arquitectónicas modernas. Para los interiores, tuvimos que encontrar numerosos subconjuntos que permitieran un flujo de movimiento específico, tal como lo había imaginado en el guion, lo cual no fue fácil. Finalmente, tuve que adaptarme a las limitaciones de la producción: debíamos encontrar la ubicación de la Fundación en Bélgica. Tras una larga búsqueda, finalmente encontramos el lugar ideal: un centro cultural en la ciudad de Deinz. Extendimos digitalmente el edificio para agrandar la torre y crear las contraventanas cubiertas de plantas. El vestíbulo del edificio, con su imponente escalera brutalista, nos cautivó de inmediato y proporcionó el espacio necesario para crear el Atrio, una zona acogedora donde los artistas se reúnen para relajarse, pasear o trabajar. La idea era crear un ambiente elegante, gráfico y a la vez acogedor. Las escenas de los diversos pasillos y la escalera circular de la Fundación se filmaron en otras localizaciones de Bélgica. El reto era convertir estos diferentes espacios en un escenario único y cohesionado con una identidad sólida y consistente.

¿Cómo abordaste la dirección artística tan específica del apartamento de la heroína?...
El apartamento de la protagonista, un espacio ecológico y de alta tecnología, es un personaje en sí mismo. Con Thierry Flamand, el diseñador de producción, tuvimos la oportunidad de construir el apartamento en un estudio. Esto nos permitió controlar y recrear con precisión lo que habíamos imaginado. La vista de París desde el ventanal es una fotografía tomada desde las alturas del Parc de Saint-Cloud.
A través de este apartamento, que imaginé como una proyección mental de Clarissa, el objetivo era conectar con éxito el confinamiento físico de la heroína con su encarcelamiento psicológico. Este apartamento, que quería que fuera elegante y minimalista, rodeado de vegetación, se concibió inicialmente como un refugio reconfortante —de ahí las curvas de las paredes, las formas redondeadas— antes de revelarse, a medida que se desarrolla la historia y progresa la evolución psicológica de Clarissa, como cada vez más angustioso y
hostil. Construimos techos relativamente bajos, sin que fuera evidente a primera vista, pero su presencia en el encuadre contribuye, incluso imperceptiblemente, a esta sensación de confinamiento. El uso de ciertos planos picados para empequeñecer al personaje, y a veces de contrapicados para filmar los techos, que a su vez empequeñecen a la heroína, así como el uso de distancias focales cortas, incluso objetivos gran angular, contribuyen en gran medida a la atmósfera sofocante que quería crear en la segunda parte de la historia. Con el director de fotografía Manu Dacosse, también nos gustaron todas las superficies de aluminio que sugirió Thierry, que aportaron una dimensión más fría y orientada al diseño al conjunto.
A menudo utilizaba distancias focales cortas, que anclan a los personajes con mayor precisión en su entorno. Mejoran la perspectiva de los escenarios, mientras que las distancias focales largas eliminan profundidad y espacio. Necesitaba que el entorno en el que se mueve Clarissa la abrumara y la limitara, de ahí el uso de distancias focales cortas. Además, la mayor parte de la película se ve a través de los ojos de la heroína. Para lograr este enfoque subjetivo, utilicé distancias focales muy cortas, que requieren una gran precisión en el posicionamiento de los actores y la cámara.

¿Fue fácil la elección de Cécile de France?...
Me reuní inicialmente con una actriz interesada en el guion, que luego dudó antes de finalmente retirarse. Fue una bendición disfrazada porque, en retrospectiva, no estoy seguro de que esa actriz hubiera sido adecuada para el papel.
Buscando una nueva actriz, pensé inmediatamente en Cécile de France, cuyo trabajo admiraba. Leyó el guion en 24 horas y me llamó con entusiasmo. Al
conocerla, supe al instante que había encontrado a Clarissa. En primer lugar, Cécile es una excelente actriz que se prepara y trabaja arduamente de antemano: llega al set muy bien preparada, sabiendo sus diálogos a la perfección. En segundo lugar, estaba sumamente motivada por la película y el desafío de actuar principalmente sola con una voz en off. Por último, Cécile evoca empatía de forma natural, lo que facilita la identificación con su personaje, una prioridad para el éxito de la película. Cécile irradia inmediatamente una gran humanidad en pantalla, una cualidad que contrasta maravillosamente con el mundo tecnológico de la película. En resumen, por todas estas razones, Cécile era la elección ideal para el papel.
Durante el rodaje, descubrí a una actriz completamente dedicada y centrada, capaz de aportar diferentes matices y sutiles matices a su interpretación en cada toma. Su tarea no fue fácil, ya que durante gran parte del rodaje estuvo sin compañera de escena, actuando casi siempre sola, con un auricular que reproducía los diálogos de Dalloway ... Cécile estuvo a la altura del reto, sumergiéndose en cuerpo y alma en su personaje.

¿Y qué pasa con el resto del reparto?...
Para el personaje de Anne Dewinter, una figura de autoridad que emerge a lo largo de la historia, problemática y ambigua, pensé inmediatamente en Anna Mouglalis. Tiene el carisma, el magnetismo y la autoridad natural que buscaba. Estaba convencida desde el principio de que sería capaz de dar vida a este personaje.
Para el papel de Mathias Nielsen, buscaba a un actor extranjero, alguien relativamente desconocido para el público francés, un actor con carisma y misterio. Fue el director de casting Michael Bier quien me sugirió a Lars Mikkelsen. En los papeles que le había visto interpretar, siempre conseguía transmitir la vida interior de sus personajes manteniendo cierta ambigüedad. Esto era perfecto para el personaje de Mathias Nielsen. Me encantó trabajar con Lars; es un actor con mucha clase. Aprecié especialmente el humor inexpresivo que aportó a la escena del cóctel, así como su capacidad para hacer palpable la paranoia de su personaje. Quería que el espectador cuestionara la validez de las teorías y advertencias de Mathias: ¿es un denunciante o un conspiranoico tecnofóbico?
En cuanto a Frédéric Pierrot, desde el principio del proceso de escritura, fue el único que se me ocurrió para el personaje de Antoine. Su amabilidad natural, el timbre profundo y distintivo de su voz, su fuerza serena: todo lo que percibí en él era, para mí, sinónimo del personaje de Antoine. Por lo tanto, fue obvio ofrecerle el papel una vez finalizado el guion.
Finalmente, Freya Mavor fue la elección obvia para el papel de Mia White. Freya proviene del teatro y se desenvuelve con soltura bajo las restricciones. Puedes darle instrucciones muy precisas, pidiéndole variaciones sutiles entre tomas, y ella ejecutará tus peticiones con asombrosa precisión.

La música de Philippe Rombi acentúa la angustia palpable. ¿Cuáles eran sus intenciones?...
Fue un placer volver a trabajar con Philippe Rombi en nuestra tercera colaboración. Empezó a componer y grabar demos antes de ver un solo fotograma. Mucho antes de empezar a rodar, había investigado a fondo las texturas sonoras antes de empezar a escribir la banda sonora. Había hablado con él sobre el estilo oscuro y minimalista de las composiciones de Michael Small, compositor estadounidense que había trabajado en varias películas de Alan J. Pakula. También quería que la música contribuyera a la identificación del público con el personaje, para ayudarnos a adentrarnos en la mente de la heroína. La banda sonora de Philippe, con sus texturas extrañas, que combinan sonidos electrónicos y cuerdas acústicas, permite al espectador compartir el mundo interior de Clarissa, su paranoia, su creciente estrés y sus ansiedades, a la vez que dota a la película de una identidad única.


ENTREVISTA A CECILE DE FRANCE...
¿Qué te pareció el guion?...
Es un thriller extraordinariamente efectivo, en la línea de Black Box o Un hombre perfecto, donde el espectador se sumerge en la desgarradora búsqueda de la verdad del héroe o la heroína. Gracias a la brillantez de Yann, el guion nos hace cuestionar nuestra época y los peligros de haber creado un monstruo que escapa a nuestro control y comprensión, que amenaza nuestra propia existencia como seres humanos, ya que plantea la cuestión de la adquisición de la consciencia. La inteligencia artificial evoca la ansiedad de ser despojados de nuestra humanidad: hay algo de amenaza Frankesteiniana en ella, ya que es un monstruo que hemos creado, uno que nos fascina y nos asusta al mismo tiempo. Por eso me encantó tanto este guion y la narrativa paranoica que se teje en torno al protagonista.

También es un género en el que no te hemos visto mucho...
Sí, y fue fabuloso para una actriz porque tuve la oportunidad de trabajar en el desarrollo del personaje: hay una verdadera progresión emocional incrustada en un mecanismo muy preciso. Gracias a Yann, especialista en el género, aprendí muchísimo: al leer el guion, me cautivó la trama, y al trabajar en cada escena, vi el funcionamiento de un mecanismo emocional de gran precisión. Yann me permitió explorar una amplia gama de emociones —a través del prisma de la angustia, la obsesión, la locura y el agotamiento—, desde momentos de bienestar hasta un tono mucho más oscuro.

¿Sentiste la necesidad de investigar?...
Por supuesto. Para completar mis conocimientos, me sumergí en numerosos libros y artículos de periódico, y este trabajo fue fascinante. Mientras investigaba, me di cuenta de que todo lo que sucede tras las puertas cerradas de la habitación de Clarissa se desarrolla a escala global. Esto es lo que hace que la película sea tan impactante: es a la vez un thriller apasionante y una especie de alegoría que nos invita a plantearnos preguntas esenciales sobre la IA: ¿Quién posee esta super herramienta? ¿Quién se beneficia de ella? ¿Toda la humanidad o un puñado de multimillonarios? ¿Se utiliza con fines humanitarios o de productividad? ¿Se utiliza esta herramienta para bien o para mal, respetando los derechos humanos, la privacidad, el consentimiento y el medio ambiente? La película contiene símbolos
muy poderosos: Casa alude al tecno feudalismo, las puertas ocultas del edificio de la Fundación evocan la desinformación y los secretos del desarrollo de la IA, y a través del personaje de Lars Mikkelsen, exploramos los desafíos de la explotación de los recursos naturales, la contaminación y la dependencia que estamos desarrollando.

Clarissa parece muy aislada, como desconectada de su familia. ¿Cómo te acercaste a ella?...
Me gustó la idea de que fuera una novelista con bloqueo creativo. Una vez en la residencia artística, le asignan un asistente virtual, y comienza a desarrollarse esta relación inquietante, ambigua y perturbadora con la IA. Disfruté creándola completamente yo mismo, porque conoceremos mejor a Clarissa a través de Dalloway, quien le hace un sinfín de preguntas para acceder a su mente y diseccionar sus emociones, incluso su subconsciente. Con Dalloway, descubrimos los defectos de Clarissa, su lado oscuro, su profundo trauma, y cuando estamos con Clarissa, presenciamos su humanización. Creé a Clarissa como a todos mis personajes: rara vez empiezo por mí mismo, aunque inevitablemente la impregné de mi sinceridad y mis emociones. Pero, sobre todo, se trata de ofrecer una historia al espectador, y rápidamente disfruté poniéndome en la piel del personaje.

¿Cómo fue la preparación?...
Me centré en la mecánica emocional porque necesitaba encontrar el equilibrio perfecto entre la ansiedad creciente y cada escena, y eso resultó sumamente útil: cada vez que revisaba el guion, descubría mecanismos emocionales que no había visto antes, mecanismos esenciales para el desarrollo del personaje. Hice bien en hacerlo, ya que durante el rodaje necesitaba estar mentalmente disponible para rodar varias tomas, controlando en cierta medida mi nivel de ansiedad, sabiendo que Yann, en la sala de montaje, necesitaría una cantidad considerable de material para construir su intrincada narrativa. Esto es lo que permite al espectador sumergirse por completo en la historia.

También fue durante la preproducción que conociste a Mylène Farmer, quien presta su voz a Dalloway...
Sí, porque decidimos grabar los diálogos de Mylène con antelación. Fue una oportunidad para pasar unos días juntas en el estudio, como si fueran ensayos, y descubrí a alguien amable y generoso, con quien conecté muy bien enseguida.
Establecimos una conexión especial y ambas nos metimos en los personajes al instante. Después, tuve que deconstruir este vínculo emocional entre nosotras —dos seres humanos conscientes que se habían unido— y «deshumanizar» a Dalloway para empezar de cero, a pesar de haber desarrollado una verdadera conexión con Mylène. Este trabajo y la reflexión sobre el antropomorfismo que solemos aplicar a la IA me permitieron comprender la película aún mejor: planteó la cuestión de crear una inteligencia artificial dotada de conciencia, emociones, sensibilidad y subjetividad.

La película juega con las convenciones del thriller paranoico. ¿Es un género que te gusta?...
Me gusta mucho la estructura de una investigación que resulta estimulante y desafiante para el espectador. Como en varias películas que me encantan, desde El nombre de la rosa de Annaud hasta El sexto sentido de Shyamalan, desde Río Místico de Clint Eastwood hasta Old Boy de Park Chan-wook, el espectador participa en la comprensión de lo que sucede y se embarca en la investigación junto al protagonista. En Dalloway, Clarissa busca descubrir las verdaderas intenciones de los líderes de la residencia.

¿Qué te pareció el entorno de la Fundación? ¿Te ayudó a meterte en el personaje y a asumir el papel?...
Sabía que iba a pasar un mes y medio en el apartamento, y al llegar, sentí una alegría inmensa, que era precisamente el objetivo. El objetivo de la residencia es que el artista se sienta cómodo y a gusto para crear, y yo, como actriz, también me sentí cómoda allí: me sentí en un estado de bienestar y comodidad que me permitió asumir plenamente el papel y ofrecer una interpretación exitosa. Fue divertido ver cómo la realidad se reflejaba en la ficción. Yann y el equipo de diseño acertaron brillantemente al evitar la caricatura de una película de ciencia ficción con una ambientación futurista, optando en su lugar por una arquitectura completamente contemporánea, con formas redondeadas y materiales naturales. Mis ojos y mi cuerpo se sintieron a gusto allí, al igual que Clarissa, lo que le permitió desarrollar todo su potencial creativo.

¿Podrías hablarnos de tus compañeros?...
Me alegró rodar con otras personas porque, la mayor parte del tiempo estaba solo en mi apartamento. ¡Me insufló nueva vida! También me encantó ver a actores que comprendieron su contribución a la construcción del thriller, cuestionando el grado de opacidad o inquietud que pretendían aportar a esta meticulosa creación.
Lars Mikkelsen, Anna Mouglalis y Freya Mavor interpretan personajes inquietantes, ambivalentes y atormentados, y son grandes actores que transmiten esta ambigüedad, este misterio, con gran delicadeza. Con ellos, nunca hay un atisbo de caricatura. Lars, en particular, interpreta a un personaje enigmático, ya que no sabemos si es un fanático o si dice la verdad. Lo que le revela a Clarissa, quien está herida y atormentada por la culpa, probablemente despertará su naturaleza paranoica…

¿Cómo dirige Yann Gozlan a sus actores?...
Fue fascinante. Él está acostumbrado a este tipo de cosas, yo mucho menos; estaba al servicio de este mecanismo y confiábamos el uno en el otro. Tuve que dejarme llevar, porque él era quien controlaba la estructura de la película. Nos permitimos rodar tomas con ligeras variaciones de emoción cada vez para que, en la sala de montaje, todo encajara. Sobre todo, porque Yann tiene su montaje en mente: ya sabe perfectamente cuándo habrá un plano de un pomo de puerta, de un decorado, de objetos que contribuyen al suspense, y pude observar que rueda
más o menos en el orden en que imagina su montaje. Para mí, fue un enfoque muy original. Generalmente, se ruedan tomas más o menos tradicionales, y el director sabe que en la sala de montaje puede ensamblarlas como mejor le parezca. Yann, en cambio, construye su montaje desde el rodaje porque necesita un mecanismo muy preciso, y lo domina a la perfección.

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