INFORMACIÓN EXCLUSIVA

UNA VERSIÓN FRESCA Y VIBRANTE DEL CLÁSICO ANIMADO...
  La película de acción real “Lilo y Stitch” ofrece una nueva perspectiva de la historia animada que conmovió a espectadores de todo el mundo durante su estreno en 2002. La película original es una piedra angular del canon animado de Disney que destaca por su mezcla única de humor y sensibilidad, además de estar ambientada en Hawái y contar la historia de una familia hawaiana. Dirigida por Chris Sanders y Dean DeBlois, esta conmovedora historia caló hondo en el público de todas las edades, convirtiéndose en un éxito de crítica y público. La película recibió grandes elogios por su originalidad, sus personajes inolvidables y el entrañable escenario hawaiano en el que se desarrolla. La película dio lugar a varias secuelas directas en vídeo y a una serie de televisión, lo que consolidó su lugar en el legado de clásicos animados de Disney.
  Más allá de su éxito en taquilla y la excelente acogida de la crítica, “Lilo y Stitch” acercó al público internacional a la cultura y la lengua hawaianas, lo que contribuyó a que se valoraran más las tradiciones y los valores únicos de la isla. El personaje de Stitch, con su personalidad traviesa pero entrañable, se convirtió en una figura popular del archivo de personajes de Disney. Este éxito se tradujo en una exitosa línea de productos y en la presencia del personaje en parques temáticos, lo que garantizó que el legado de la película perdurara durante muchos años.
  Los guionistas Chris Kekaniokalani Bright y Mike Van Waes han creado una narrativa que rinde homenaje al original, al tiempo que explora temas como la ‘ohana (familia), la pertenencia y la redención, teniendo como telón de fondo los impresionantes paisajes y el rico tapiz cultural de Hawái.
  Dirigida por Fleischer Camp, la película combina a la perfección los elementos de fantasía de “Lilo y Stitch” con la cultura singular y los impresionantes paisajes de la Hawái moderna. Esta adaptación no es solo un nuevo relato, sino una ampliación, recreada para el público actual, pero fiel a la esencia de los entrañables personajes.
  Los productores Jonathan Eirich (“Aladdin”) y Dan Lin (“La mansión encantada”), junto con los productores ejecutivos Tom Peitzman ("El Rey León"), Ryan Halprin ("La LEGO película 2"), Louie Provost ("Togo") y Thomas Schumacher ("La Bella y la Bestia"), se enfrentaron al reto sin precedentes de convertir una entrañable película de animación en un espectáculo de acción real, respetando al mismo tiempo los matices culturales y los valores intrínsecos de la historia.
  “La película ha perdurado y de hecho ha crecido en popularidad porque es realmente singular y muy adelantada a su tiempo”, afirma Eirich. “Al estilo visual, los temas de esta “familia improvisada” imperfecta y al vínculo entre Nani y Lilo que intentan superar una situación tan difícil, viene a añadirse Stitch, uno de los personajes más memorables que se puedan imaginar y el resultado es una receta perfecta para un clásico. Stitch es tan icónico porque todos nos identificamos con él, con ese lado travieso que todos llevamos dentro y que siempre intenta salir... Todos desearíamos ser tan audaces y sin complejos como Stitch. Ninguno de nosotros es perfecto y Stitch es simplemente la personificación más divertida de esa idea”.
  Eirich sigue diciendo: “Pero la película también se diferencia porque no trata sobre una princesa ni está ambientada en un reino de cuento de hadas, sino que se desarrolla en nuestro mundo, en la actualidad, y trata sobre sentirse fuera de lugar y solo, algo que todos experimentamos a menudo. Lo que viven nuestros personajes es tan real y verosímil que, incluso con este extravagante extraterrestre en la trama, el drama cala hondo porque Lilo cree que si puede “recomponer” a Stitch, podrá "recomponerse" a sí misma y a su familia. Es atemporal y conmovedora, y ese vínculo tan especial entre Lilo y Stitch es lo que conecta profundamente con el público”.
  Según Halprin, “'Lilo y Stitch' cuenta un paradigma diferente al de muchas películas de Disney. Reivindica los temas clásicos de Disney, pero hace algo diferente. Trata sobre una familia real con seres humanos y un elemento de fantasía y de ciencia ficción que causa el caos. La esencia de la historia es sencilla: dos hermanas que se enfrentan a la pérdida de sus padres y a la llegada de un extraterrestre incomprendido”.
  Peitzman, veterano de algunas de las adaptaciones a acción real más recientes de Disney, afirma: “Esta es la tercera película de Disney en la que trabajo que pasa de la animación a la acción real, después de 'El Rey León' y 'Chip y Chop: Los guardianes rescatadores'. Es divertido y emocionante trabajar con una obra tan conocida y mantener su integridad al tiempo que se adapta al público actual. El mundo vibrante y colorido de la película animada original cobra vida en Hawái, mostrando su belleza, la diversidad de sus paisajes y sus gentes. Todo tiene ese elemento tan tangible que a veces no se consigue en una película animada”.
  Eirich comparte el entusiasmo de su equipo por esta transformación. “Esta es una de las pocas películas de Disney ambientadas en nuestro mundo, lo que nos dio argumentos para afirmar que pertenece a un entorno de acción real. Queríamos ver la humanidad de los personajes con actores humanos, sentir sus dificultades, su drama y sus sentimientos. Stitch es un personaje que todo el mundo quiere volver a ver, y trasladarlo al mundo de la acción real fusionando ciencia ficción y realidad fue un reto fascinante”.
  Halprin prosigue: “Encontrar al director adecuado era fundamental, y Dean Fleischer Camp fue la mejor opción. Tiene experiencia en acción real y animación, y un sentido del humor muy auténtico y sincero. Queríamos a alguien que pudiera aportar emotividad a la película, sobre todo en las intensas relaciones entre las hermanas y en el seno de la familia. Y Dean lo consigue gracias a su sensibilidad cómica, que permite que nuestros actores cómicos den lo mejor de sí mismos”.
  Eirich añade: “Necesitábamos a alguien que supiera captar el humor, entendiera a los actores y las emociones y además tuviera experiencia en animación, diseño y efectos visuales. La película anterior de Dean, 'Marcel, la concha con zapatos', cumplía con todos estos requisitos. Su propuesta era sencilla: “Bromas y lágrimas”, lo que reflejaba perfectamente el espíritu y el humor que buscábamos”.
  “Acababa de terminar mi segundo largometraje, 'Marcel, la concha con zapatos', cuando se pusieron en contacto conmigo por primera vez”, cuenta Camp. “Y aunque a primera vista son proyectos muy diferentes, intuí que compartían el mismo ADN. Tanto Marcel como Stitch son protagonistas atípicos que buscan una familia en un mundo que no está hecho para ellos, lo que les confiere un nivel de emotividad fuera de lo común y que los convierte en algo más que personajes adorables. Sabía que podía canalizar esa emotividad para contar una historia impactante. Tenía suficiente experiencia con la creación de híbridos de acción real y mis antecedentes en animación, y además había muchos elementos que me planteaban un reto totalmente nuevo”.
  Camp sigue diciendo: “La original siempre ha sido mi película favorita de Disney y me impresionó muchísimo cuando la vi por primera vez. Como está basada en el estilo artístico de Chris Sanders, no se parecía a ninguna otra película de Disney de la época. Además, es una especie de cuento de hadas alternativo, ya que, a diferencia de la mayoría de las películas de Disney, no hay princesas. Está ambientada en la Hawái contemporánea y la mayoría de los personajes son personas normales que viven sus vidas y luchan por ser felices. Me pareció que era una película perfecta para adaptarla a la acción real sin perder la esencia del original, ya que ofrece muchas oportunidades para profundizar en las realidades emocionales de los personajes humanos y basarla en una experiencia vivida”.
  Halprin añade: “El enfoque de Dean consistió en reconocer los elementos fundamentales de la historia con los que él se identificaba a nivel humano y ver cómo los elementos de ciencia ficción realzaban la historia humana. Y esa visión era estimulante y planteaba un auténtico desafío. La madre de Dean es trabajadora social, lo que aportó un toque personal a su enfoque. Le interesaba crear un extraterrestre más moderno que se identificara con las familias de hoy en día”.

DAR VIDA A LOS PERSONAJES...
  El reparto de “Lilo y Stitch” aporta una nueva interpretación a la entrañable historia, en consonancia con el tema central de la obra original: la ‘ohana. Sus interpretaciones capturan el espíritu de la familia, la comunidad y la resiliencia, conectando tanto con los fans de la obra original como con nuevos espectadores. La autenticidad y el respeto por la gente y las culturas de Hawái garantizan que esta adaptación de acción real rinda homenaje al legado del original, al tiempo que aporta nueva profundidad y matices a los personajes y a la historia.
  Tras una exhaustiva búsqueda de reparto, la debutante Maia Kealoha, que nació y se crio en la Isla Grande, hace su primera aparición en la gran pantalla en el papel de Lilo Pelekai. Lilo es una niña hawaiana de 6 años llena de energía, a la que le encanta el hula y Elvis Presley. Tiene una imaginación desbordante y un carácter algo rebelde, lo que suele acarrearle problemas y aislarla de sus compañeros.
  “Encontrar a Lilo fue el mayor reto”, afirma el productor Jonathan Eirich. “Necesitábamos a alguien joven que pudiera interpretar de forma realista a una niña que había crecido en Hawái y que tuviera la resistencia necesaria para rodar todos los días. Maia Kealoha nos dejó boquiabiertos con su energía, su humor y su talento para la interpretación”.
  Eirich prosigue: “Después de ver más de 800 cintas de audición, ella resultó ser la elección perfecta. Encarna a la perfección la personalidad, el coraje y la capacidad de asombro de Lilo”.
  “Maia es Lilo en carne y hueso”, afirma el productor ejecutivo Tom Peitzman. “Tiene una faceta divertida y traviesa que aporta un toque diferente al personaje. Dean ha sabido aprovechar esas cualidades y ha sido maravilloso ver cómo evolucionaba la interpretación de Maia. Disfrutaba yendo al trabajo y lo ha hecho realmente bien. Es la protagonista absoluta de la película, con una interpretación natural y realista”.
  El director Dean Fleischer Camp se deshace en elogios al hablar del casting de Kealoha. “Desde el momento en que ella y su madre entraron por la puerta, tuve claro que habíamos encontrado a nuestra Lilo. Maia es una actriz nata, pero lo que nos llamó la atención fue su curiosidad e imaginación innatas”, afirma. “Queríamos a alguien que encarnara la precocidad y el aplomo de Lilo, pero evitamos conscientemente elegir a alguien que solo fuera una Lilo de carne y hueso, tanto delante como detrás de las cámaras. Cuando se elige a alguien tan joven, hay que tener cuidado con las ramificaciones que puede entrañar, así que queríamos ser prudentes. La coach de interpretación Sara Arrington y yo teníamos muy claro que queríamos encontrar a una niña con talento con la que pudiéramos trabajar para crear una interpretación realista de “Lilo”, y no a alguien que se limitara a interpretarse a sí misma ante la cámara. Maia lo consiguió, y lo que se ve en la pantalla es la poderosa interpretación de un talento prodigioso, y no alguien que se limita a ser ella misma. “Lilo” es un personaje que Maia ha creado con mucho trabajo y una gran imaginación. En realidad, ni siquiera estoy segura de que fueran amigas en la vida real. Por ejemplo, a diferencia de Lilo, Maia odia muchas cosas desagradables”.
  Camp prosigue: “El primer día, ni siquiera había empezado a aprender a leer, así que memorizaba todas sus líneas con grabaciones de audio. Y, a diferencia de muchos de los niños que se presentaron a la audición, no tenía ninguna experiencia laboral. Me preguntaba qué eran las “líneas” y qué significaba “toma”. Al final, no solo leía, sino que también aprendió a “esperar el sonido” y todo tipo de jerga del rodaje. Su capacidad para seguir instrucciones y aprender sobre la marcha, así como su relación con todo el equipo, fueron realmente extraordinarias. Al final, creo que todos los miembros de nuestro equipo estarían dispuestos a dar un riñón a Maia si lo necesitara".
  Kealoha describe así a su personaje: “Lilo tiene mucha energía y es muy creativa, pero también le gusta jugar. Además, le encanta hacer manualidades. Su mejor amigo es Stitch, pero siempre se mete en líos, así que tengo que enseñarle a portarse bien”.
  La coach de interpretación de la película y la intérprete del traje de Stitch, Sara Arrington, fue fundamental para guiar a la joven actriz durante cada día de rodaje. “Maia es una de las personas más tenaces que he conocido”, afirma. “Nunca se rendía, ni siquiera en los pocos días malos que tuvimos. Siempre estaba dispuesta a intentarlo y mantuvo una mente abierta en todo momento. Su creatividad y su ganas de actuar la hacían perfecta para interpretar a Lilo”.
  Arrington sigue diciendo: “Desde el principio, la producción hizo hincapié en el concepto de ’ohana, haciendo que todos se sintieran parte de una comunidad. Fue como si hubiéramos creado una relación familiar gracias a la película, algo muy poco habitual, pero muy especial”.
  “Maia se entregó por completo al proyecto”, afirma Camp. “Aprendió a canalizar su imaginación utilizando las herramientas que un actor tiene a su disposición. Y, a lo largo de la película, pasó de ser una niña encantadora, muy precoz e inteligente, a convertirse, sinceramente, en una de las mejores actrices con las que he trabajado. Hubo varios momentos en los que me impresionó su interpretación, ya que no era algo que hubiéramos ensayado o trabajado. Era alguien que aportaba al papel algo totalmente ajeno a mí, algo que no se ve en muchos niños actores”.
  La polifacética actriz, cantante y compositora Sydney Elizebeth Agudong, que nació y creció en Kauaʻi, interpreta a Nani, la hermana mayor de Lilo. El trabajo de Agudong incluye películas independientes como “At Her Feet” e “Infamously in Love”, así como papeles en series de televisión como “NCIS” y “On My Block” de Netflix. Nani es una joven inteligente y atlética de 18 años que ha asumido el papel de tutora de Lilo. Nani, que en su día fue una estudiante brillante que aspiraba a dedicarse a la biología marina, ahora compagina los estudios, el trabajo y la abrumadora responsabilidad de criar a Lilo.
  La actriz lleva una buena parte del peso de la película en el papel de Nani y, desde el momento en que hizo la audición, los realizadores supieron que habían encontrado a su Nani. Además, la química entre ella y Kealoha fue mágica.
  “Conectamos desde el primer momento”, afirma Agudong. “Quiero a esa niña con todo mi corazón. Tiene un talento increíble, es muy precoz y encarna a la perfección la fascinación de Lilo por el mundo. Es una niña pequeña valiente y adorable, muy simpática y a la que le encanta jugar en el plató. Jugamos con el ukelele y cantamos juntas “Aloha 'Oe”. Entre nosotras surgió inmediatamente una relación de confianza, hermandad y cariño”.
  El productor ejecutivo Ryan Halprin añade: “Sydney estuvo fantástica desde el principio. Nani es la protagonista en lo que respecta al arco emocional y, como creció en las islas, se identificó con los temas de la historia de Nani. Captó a la perfección los momentos emotivos y el humor, lo que la convirtió en la candidata ideal”.
  Eirich está de acuerdo y afirma: “En el caso del personaje de Nani, necesitábamos a alguien que pareciera una hermana mayor y que supiera encontrar un equilibrio entre responsabilidad y juventud. Sydney tenía esa cualidad de forma innata y conectó al instante con Maia”.
  Agudong describe a Nani como un personaje que ha atravesado grandes dificultades. En este momento, lo está pasando muy mal. Para empezar, siempre llega tarde, sale corriendo del trabajo y se mata a trabajar. A los 18 años, hace las veces de madre soltera de su hermana pequeña. Intenta encontrar su lugar no solo como joven adulta, sino también por haber perdido a sus padres, tratando de lidiar con el dolor, sacar adelante a Lilo, que tiene 6 años, y mantener la ilusión de vivir como si nada hubiera pasado. Es impulsiva, tiene un carácter fuerte, es ambiciosa y nada la detendrá”.
  Los entrañables personajes extraterrestres de la historia, Jumba y Pleakley, cobran vida gracias a Zach Galifianakis (“Un pliegue en el tiempo”) y Billy Magnussen (“Into the Woods”), respectivamente. Pleakley es un agente extraterrestre excéntrico y un gran fan de la Federación Galáctica Unida al que han enviado a la Tierra para infiltrarse en la raza humana y recuperar el Experimento 626. Jumba, un agente extraterrestre de la Federación Galáctica Unida, adopta forma humana y es el malvado cerebro responsable de la creación del Experimento 626.
  “Zach y Billy interpretan los papeles de 'Jumba' y 'Pleakley' en la película de acción real”, explica Eirich, “pero en nuestra cinta, interpretan a extraterrestres que adoptan forma humana para integrarse en la Tierra. Fue un reto divertido de resolver y que dio mucho juego para la comedia. Zach tiene un ingenio brillante, ácido y sarcástico, mientras que Billy aporta una energía desbordante y alocada. Sus diferentes niveles de energía crean una divertida contraposición entre sus personajes que va a hacer las delicias del público”.
  Halprin añade: “Zach aportó una visión única a Jumba, convirtiéndolo en un villano egocéntrico que contrasta con el personaje de Nani. Billy, rebosante de energía salvaje, adaptó a Pleakley al contexto de la acción real, haciendo que la fascinación del personaje por la moda humana resultara hilarante”.
  Magnussen afirma: “En mi caso, esta historia tuvo un gran impacto cuando era niño. Vivía en la Costa Este estadounidense, rodeado de tierra, y no sabía nada sobre Hawái ni su cultura. Fue mi primer contacto con ese precioso lugar. Diría que fue una de las mayores influencias, pero también la historia de la familia siempre es inspiradora, el concepto de 'ohana, y el precioso mensaje que transmite la película”.
  Magussen interpreta a Pleakley transmitiendo el entusiasmo y la curiosidad del personaje. “Pleakley es un profesional muy motivado y entusiasta de la Federación Galáctica. Le fascina la Tierra y quiere integrarse en ella, pero no consigue encontrar su lugar en el mundo real ni aceptar la realidad de la cultura terrestre”.
  Galifianakis profundiza en las complejidades de Jumba. “Me divirtió mucho interpretar a alguien malvado o más bien a una criatura malvada. No creo que realmente lo haya hecho nada de eso y fue genial actuar con una cara tan intimidante”, explica el actor.
  La dinámica del dúo está a la altura de las clásicas parejas cómicas. “¿Cómo describiría yo al dúo?”, dice Magnussen. “Quizás sea demasiado antiguo para el público joven, pero se me ocurre la pareja que formaban Laurel y Hardy. Yo era un gran admirador de su trabajo y creo que ese tipo de dinámica, es decir un dúo simpático, es lo que hace que esa relación sea tan interesante y que sea tan divertido trabajar juntos. Sobre todo Zach. Es un tipo genial”.
  Magnussen sigue diciendo: “Trabajar con Zach ha sido uno de los mejores momentos de mi carrera. Ha sido un auténtico placer. Es un auténtico artista a la hora de colaborar. Está aquí porque le importa el proyecto, no por él mismo. Y creo que eso es una de las cosas más importantes... seguir empujando esa roca cuesta arriba”.
  Galifianakis, por su parte, elogia la actuación de Magnussen. “Billy es actor de Broadway y, como cómico, me intimidan un poco los actores de verdad. Pero fue un placer trabajar con él”, afirma. “Es un tipo totalmente comprometido”.
  Courtney B. Vance, ganador de dos premios Emmy® y un Tony® (“The People v. O.J. Simpson: American Crime Story”, “Lucky Guy”), interpreta a Cobra Bubbles, un agente de la CIA que se infiltra como trabajador social asignado a la familia Pelekai.
  “Courtney aporta rigor y seriedad a Cobra Bubbles, pero también muestra su lado más tierno”, afirma Eirich. “En la película exploramos su empatía con Nani y Lilo, logrando un equilibrio entre su carácter endurecido y su lado más compasivo”.
  Halprin añade: “Courtney ha aportado credibilidad al personaje. Ha sabido equilibrar la gentileza y la intensidad, añadiendo interés a la historia”.
Al recordar su primer contacto con la película animada original, Vance compartió una anécdota personal y muy emotiva. “Tenemos que remontarnos a cuando se estrenó 'Lilo y Stitch'“, cuenta Vance. “Mi mujer y yo tenemos gemelos, que ahora tienen 17 años. Creo que tenían 3 o 4 años en ese momento y les daba miedo Stitch. Hemos visto las películas de 'Toy Story' unas cuatro veces cada una y todas las de 'Cars' unas cuatro o cinco veces cada una, pero 'Lilo & Stitch' nunca nos gustó porque les daba demasiado miedo”.
  A pesar de no estar muy familiarizado con el original, a Vance le atrajo la complejidad y el humor de Cobra Bubbles. “En realidad no es un trabajador social, sino que se hace pasar por uno, lo que le complica un poco las cosas”, explica Vance. “Porque también es un agente de seguridad de primera clase y siempre cumple con su misión”.
  Vance prosigue: “Esto supone un reto para él, porque es una situación a la que no se enfrenta a menudo, es decir situaciones en las que hay un elemento humano. Así que tiene que lidiar con esos elementos humanos mientras intenta alcanzar sus objetivos”.
  El actor novel Kaipo Dudoit, natural de O'ahu, interpreta a David Kawena. David es el guapo y joven vecino de Nani, con un corazón de oro. Trabaja con Nani en un lūʻau, donde baila con cuchillos de fuego. David, un apasionado del surf, siempre ha estado enamorado de Nani y siempre está intentando convencerla para que vaya con él a la playa.
  El actor aporta autenticidad y hace gala de una profunda conexión con su papel de David, y ser elegido para el reparto de la película fue un sueño hecho realidad. “Estaba en la escuela primaria cuando vi la película animada 'Lilo y Stitch'“, cuenta Dudoit. “Ver a personas que se parecían a mí y escenas de mi tierra en la pantalla fue toda una revelación”.
  “Kaipo se incorporó al proyecto y enseguida aportó profundidad al personaje de David, haciéndolo torpe, pero a la vez encantador y con una gran inteligencia emocional” , afirma Eirich. "Kaipo ha sido un gran apoyo para mí en el proceso de creación del personaje".
  En lo que respecta a la relación entre Nani y David, Agudong habla sobre su trabajo con Dudoit: “Kaipo es increíble y conectamos al instante. Fue maravilloso trabajar con él y aprendimos mucho el uno del otro”.
  La película de acción real “Lilo y Stitch” presenta varios personajes nuevos: Tūtū, la señora Kekoa y directora del lūʻau, que interpreta Amy Hill (“50 primeras citas”, “Magnum P.I.”), Tia Carrere (“Wayne's world ¡Qué desparrame!”) y Jason Scott Lee (“Mulan”), respectivamente. Hill, que prestó su voz a la Sra. Hasagawa en la película animada “Lilo y Stitch”, regresa a la popular franquicia como Tūtū, una vecina cariñosa y perspicaz que conoce a la familia Pelekai desde hace muchos años. Es una presencia constante en la vida de Nani y Lilo, ya que ha sido testigo directo de sus dificultades.
  Hill se muestra muy ilusionada por dar vida a este personaje recién creado: “Mi hija tenía 3 años cuando salió la película original y fue muy divertido hacerlo en aquel momento. Me encantaba que mi hija dijera: “¿Es mi mamá?” Reconocía mi voz, pero no acababa de entenderlo. Creo que no sabía cuál era mi verdadera profesión”.
  “Fue fascinante regresar con un papel diferente, porque pude crear un personaje que no existía en la película original” explica Hill. “Tuve que volver a ver la película animada porque había pasado mucho tiempo. Es una película tan entrañable y encantadora. Todas las películas de Disney son así, pero esta era especial y realmente preciosa porque estaba ambientada en Hawái y 'ohana significa familia”.
  A la hora de describir su personaje, Hill afirma: “Al principio, cuando leí el guion, me pareció que solo era una vecina entrometida... una mujer un poco excéntrica. Vive sola y lleva la granja ella misma con su nieto David, que es encantador, pero no muy espabilado. Adora a Nani y a Lilo, al igual que Tūtū, ya que siente una conexión con ellas no solo como vecina entrometida que quiere saber qué está pasando, sino como alguien a quien le importa de verdad su futuro y cómo van a salir adelante en la vida”.
  A Hill le divierte la franqueza de Tūtū. “Es divertida”, afirma. “No sé si lo hace a propósito, pero es tan directa que resulta muy graciosa. Se parece mucho a mí en muchas cosas, así que interpretarla no me supuso un gran esfuerzo. A medida que te haces mayor, ya no tienes tantos filtros, así que dices cosas que quizá sean un poco inapropiadas o hirientes. Pero sé que ella se preocupa, así que no lo hace con mala intención”.
  Los fans recordarán a Carrere, que prestó su voz a Nani en la película animada de 2002. Ahora interpreta a la Sra. Kekoa, que trabaja en los servicios sociales. Intenta guiar a Nani por el buen camino dándole consejos útiles y haciéndola responsable de sus errores. La actriz, originaria de Honolulu, reflexiona sobre lo que ha significado su participación en la película: “Es algo muy especial haber formado parte del reparto original hace 23 años, así que cuando supe que iban a hacer esta nueva versión, tuve claro que quería formar parte del legado de la historia. Además, tenía mucha curiosidad por ver cómo iban a trasladar al mundo real una película de animación tan entrañable”.
  Según Halprin, “Tia encarna el espíritu de Hawái y fue una parte esencial de la 'ohana de 'Lilo & Stitch'. Aporta a la película una energía tranquilizadora y una presencia muy alegre”.
  Carrere profundiza en las motivaciones más profundas de su personaje y afirma: “Imaginé que la Sra. Kekoa podría haber pasado por hogares de acogida y era una de esas niñas que perdieron el rumbo. Tiene una historia similar a la de Lilo y Nani, pero trabajó duro, fue al colegio y cambió su vida”.
  La actriz reflexiona sobre su conexión con Agudong, que interpreta el papel que ella creó en la película animada. “Sydney me llamó incluso antes de que me seleccionaran para la película”, cuenta Carrere, “y me pidió que fuera su mentora y la ayudara con el personaje tal y como yo lo veía, pero también que hiciera el papel de la Sra. Kekoa para ser su protectora y confidente”.
  Lee, que aparece en la película como el director del lūʻau, también prestó su voz a David Kawena en la película animada. El actor, que tiene ascendencia hawaiana y china, nació en California y creció en Oahu.
  Chris Sanders es el creador y la voz original de Stitch, un experimento extraterrestre conocido con el nombre de Experimento 626, concebido para ser extraordinariamente fuerte, prácticamente indestructible, superinteligente y travieso. Stitch es un experimento extraterrestre que aterriza en la Tierra disfrazado de perro. Se trata de un experimento genético prohibido por la Federación Galáctica Unida que encuentra refugio en los brazos de Lilo.
  “La película original de 'Lilo y Stitch' es una cinta muy poco convencional y muy personal para mí”, afirma Sanders. “Se me ocurrió la idea y se la presenté a Tom Schumacher, el director de animación del estudio en aquel momento. Él aceptó con la condición de que pareciera que la había dibujado yo, ya que para presentar el proyecto yo había elaborado una especie de libro infantil porque era una presentación ilustrada. En aquel momento, me preocupaba que se estuvieran estrenando muchas películas de extraterrestres y quería que la gente comprendiera bien al extraterrestre de mi película, porque era una criatura muy peculiar. Así que me dije: “Voy a ilustrar el guion. Si no les gusta, al menos sabré que no les ha gustado mi guion y que no habían visto nada original”. Pero Tom dijo: “Haré esta película con una condición: que parezca que la has dibujado tú”, refiriéndose al guion ilustrado que yo había creado.
  Sanders prosigue: “Al llegar a ese punto, pedimos a un artista del estudio que intentara averiguar cómo dibujaba yo, porque a mí mis dibujos no me parecían diferentes a los de los demás. Así que Sue Nichols, una artista con mucho talento en el mundo de la animación, analizó mis dibujos y creó un libro titulado Surfing the Sanders Style, que sirvió de guía. Me quedé fascinado al verlo. Así que acabé poniendo voz al personaje, diseñando los personajes, escribiendo el guion con Dean DeBlois, mi codirector, y presentando el proyecto. Así que es un proyecto tremendamente personal”.
  Sanders estaba inmerso en la producción de “Robot salvaje” (una película animada de DreamWorks que escribió y dirigió) cuando comenzó el casting de “Lilo y Stitch”, pero se mantuvo firme en su decisión de seguir siendo la voz del travieso extraterrestre. “Voy a hacer esta voz mientras pueda. Es un personaje muy personal para mí”.
  “Stitch es interesante porque tiene una dimensión propia”, afirma Sanders. Yo diría que su vecino más próximo en el mundo de Disney sería probablemente el Pato Donald. Donald tiene la capacidad de meterse en líos, lo que, en mi opinión, es una de las razones por las que me gusta ese personaje. Es muy perspicaz y sabe hacer bien su trabajo, pero a menudo se ve envuelto en sus propias travesuras. Es decir, genera cosas, se le ocurren ideas y las lleva a cabo. Stitch es muy parecido. Stitch fue diseñado para ser un villano que se convierte en héroe. Eso era algo novedoso en aquella época y sigue siéndolo hoy en día”.
  “Volver a contar con Chris Sanders fue un sueño hecho realidad”, afirma Camp. “Ha sido muy generoso, no solo con su voz, sino también con su tiempo y sus conocimientos, guiándonos, corrigiéndonos cuando nos desviábamos y mostrándose abierto a nuestros consejos y preguntas. Después, cuando entrabas en la cabina de doblaje y veías esa voz salir de su boca, era totalmente surrealista. Intelectualmente, sé que Chris Sanders es la voz de Stitch y conozco a Chris Sanders, pero cuando vi a los dos juntos, mi quedé alucinado”.
  Camp prosigue: “Además, tiene tanta energía como Stitch. Es un tipo muy vitalista, pero cuando le dejas dar rienda suelta a Stitch, se desata por completo. No se cansaba nunca. Yo le decía: “¿Puedes hacer otra toma de esta manera?”, y él improvisaba sin parar durante 15 minutos. No sé cómo lo hace. Me imagino que se queda sin energía cada día a las 4 de la tarde”.
  Completa el reparto Hannah Waddingham (“Ted Lasso”) en el papel de la Gran Consejera, la líder extraterrestre de la Federación Galáctica Unida. Aunque es sensata y tiene buenas intenciones, no tolera a los infractores de la ley, sean quienes sean.

DETRÁS DE LAS CÁMARAS...
  “Lilo y Stitch”, la película de acción real de Disney, es un testimonio de narrativa innovadora, que invita al público a experimentar la magia de la 'ohana y las alegrías de crear una familia en las circunstancias más inesperadas. El rodaje de la película tuvo lugar en Hawái, en la isla de O'ahu, en 2023.
  Los realizadores quisieron crear una película que llegara al público de todas las edades y reunieron un impresionante equipo creativo que garantizara que los elementos visuales y temáticos de la película reflejaran y respetaran la autenticidad de la obra original. El equipo creativo principal está formado por: el director de fotografía Nigel Bluck (“La familia que tú eliges”), el diseñador de producción Todd Cherniawsky (“Obi-Wan Kenobi”), los montadores Phillip J. Bartell, ACE (“Mansión encantada”) y Adam Gerstel (“Ant-Man y la Avispa: Quantumanía”), la diseñadora de vestuario Wendy Chuck (“Los que se quedan”), el supervisor de efectos visuales Craig Hammack (“Black Panther: Wakanda Forever”), el compositor Dan Romer (“Death of a Unicorn”), a la intérprete con el traje de Stitch Sara Arrington (“El libro de la selva”) y el marionetista de Stitch Seth Hays (“The Mandalorian”).
  La magia del cine y los efectos visuales desempeñaron un papel fundamental en la creación de Stitch. El productor Jonathan Eirich habla sobre la colaboración con el productor ejecutivo Tom Peitzman: “Nos encanta trabajar con Tom. Esta es nuestra segunda película juntos y él aporta sus amplios conocimientos sobre producción y efectos visuales. Stitch es un personaje totalmente generado por ordenador, así que la combinación de los profundos conocimientos de Tom sobre producción física y su experiencia en efectos visuales ha facilitado enormemente el trabajo”.
  Eirich sigue diciendo: “Nuestro director, Dean Fleischer Camp, tenía una máxima: la ternura es algo que la evolución humana lleva creando desde hace miles de años. Solo tenemos que aprovecharla. Así que observamos todo lo que nos parecía encantador en la naturaleza y lo fusionamos en un solo personaje. De ahí surgió Stitch, un personaje creíble y con un atractivo natural para el público”.
  El productor ejecutivo Ryan Halprin comparte su visión sobre el proceso de diseño y afirma: “La pregunta que todos se hacían era cómo sería Stitch. El planteamiento de Dean consiste en basarse en cómo reaccionan los seres humanos ante determinados rasgos animales. El diseño de Stitch se inspira en las orejas de un ciervo, el hocico de un bulldog y la textura de un koala. Sus ojos son como los de una foca: negros desde lejos, pero más humanos de cerca para crear una conexión emocional”.
  Peitzman añade: “Stitch solo podía ser un personaje generado por ordenador. El reto era conseguir que los intérpretes humanos interactuaran con un personaje que no estaba allí. Contratamos a Legacy Effects para que construyera una maqueta y una marioneta en el plató, tanto por motivos de iluminación y referencia para la cámara, como para que Maia pudiera conectar emocionalmente e interactuar con ella. La maqueta, combinada con las habilidades de marionetista de Seth Hays, ayudó a dar vida a Stitch de tal manera que resultaba real para los actores y, en última instancia, para el público”.
  Para el rodaje de las escenas en las que Kealoha interactúa con Stitch, era importante para los realizadores que la joven actriz tuviera algo con lo que interactuar siempre que fuera posible, y que fuera algo más sustancial que una pelota de tenis.
  Arrington trabajó estrechamente con Kealoha para superar los retos iniciales, como ayudarla a comprender los fundamentos del cine y ensayar las escenas con un Stitch imaginario (Arrington se ponía un traje gris y actuaba frente a la actriz). “Maia tenía que participar en escenas con una criatura imaginaria, manteniendo una conexión con algo que no estaba físicamente allí”, explica Arrington. “Utilizamos varios objetos, como marionetas, peluches y muñecos, para simular a Stitch durante los ensayos”.
  Arrington continúa diciendo: “Uno de los retos a la hora de hacer esta película es que Stitch no tiene el mismo tamaño que una persona. Mide más o menos lo que va de mi rodilla al suelo y, a veces, se mueve bastante. Por lo tanto, el actor tiene que participar en la escena y conectar plenamente con una criatura que se mueve y además mantener un diálogo. El director necesita tener esa conexión visual que solo puede proporcionar otra persona”
  Sin embargo, hubo algunas escenas en las que Camp necesitó algo más sustancial, y ahí es donde entró Seth Hays. Hays, que fue el marionetista de Stitch, trabaja con Legacy Effects y anteriormente fue uno de los marionetistas de Grogu en “The Mandalorian” , la serie de Disney+/Lucasfilm.
  “Hay una escena en la que Lilo corre y debe hablar sin parar con Stitch, así que Seth sostenía una marioneta y corría junto a ella”, explica Arrington. “Si Seth no hubiera estado allí, no habría quedado bien. Se creó un vínculo de confianza entre Seth, Maia, Dean y yo; todos trabajamos juntos para que esos momentos parecieran reales. Y hubo probablemente un centenar de aplicaciones diferentes de las versiones de Stitch. Teníamos una jaula gris y una versión más pesada que se utilizaba para las escenas submarinas. Pero al final, nada de eso habría servido si Maia no hubiera conectado con el personaje”.
  Hays describe la función que tuvo en el plató: “Estaba allí para proporcionar a Maia un compañero de escena más realista y para dar a Dean una idea más precisa de cómo quería que fuera la toma y qué habría en ese espacio donde acabaría apareciendo Stitch generado por ordenador, algo más que un simple objeto inerte. Esto ayudó a que Dean y Maia se sintieran más cómodos y proporcionó al equipo de efectos visuales las dimensiones espaciales que necesitaban para completar su trabajo en la fase de posproducción”.
  Hays sigue diciendo: “Esa marioneta en particular es diferente porque no íbamos a usar la interpretación que yo había creado con ella. La mayoría de los personajes en los que participo usan mis movimientos, y eso es lo que se ve en pantalla. Pero en esta película es diferente. La marioneta está ahí para dar vida al personaje para todos los que están en el set. Y solo estaba yo con mis dos manos, así que solamente podía dar vida a algunas de sus extremidades. Normalmente, habría al menos una persona más y otra persona manejando la cabeza, porque sería una cabeza animatrónica o un personaje animatrónico”.
  “Utilizábamos lo que se conoce como marionetas de varillas. El personaje tiene varillas que le salen de cada extremidad”, explica Hays. “Así puede transmitir sus emociones con las manos y, sin duda, es capaz de expresar muchas emociones con la mirada. Tiene unos ojos muy grandes y una boca enorme”.
  Hays recuerda el primer día que trabajó con Maia en el plató. “Era un día tremendamente caluroso y todo el mundo estaba cansado y un poco irritable. Pero en el momento en que Maia entró en escena y vio a Stitch, se produjo algo mágico. Yo estaba feliz de ser el tipo que sostenía los palos y le daba vida para que ella lo viera y confiara en mí. Y créanme, es una pequeña actriz increíble. Lo dio todo en cada escena que hicimos juntos, sin importar lo que fuera”.
  “Dean aprendió de 'Marcel la concha con zapatos' que, cuando no hay interacción táctil en un plató real, el público se desconecta”, afirma Eirich. Aunque el público nunca las ven en la pantalla, la marioneta y la maqueta de Stitch se utilizaron para que las interacciones parecieran reales. Cuando Stitch hace ruido con papeles, tiene que parecer real, lo que hace que la integración de los efectos visuales sea perfecta y que el personaje parezca parte del entorno”.
  Craig Hammack, de Industrial Light & Magic, supervisor de efectos visuales de la película, habla sobre la colaboración con Legacy: “Crearon unas maquetas peludas de Stitch muy detalladas, con pelaje cosido a mano que quedaba precioso, y Seth estaba increíble. Le aportó una personalidad real a las marionetas, lo que supuso una gran ventaja para Maia. Entabló una verdadera amistad con ella y tenía un talento insospechado en muchos aspectos. Las marionetas no siempre encajan en un plató de rodaje, así que había que ser creativo para encontrar la mejor manera de ayudar a Maia, sin chocar con las cosas con las que chocaría Stitch y sin proyectar sombras sobre el plató. Seth fue un colaborador fantástico, ya que consiguió sacar lo mejor de Maia en el plató de la forma menos intrusiva posible”.
  Al hablar sobre su visión general de los efectos visuales de la película, Hammack afirma: “Queríamos seguir siendo fieles a la película original, sobre todo en lo que respecta a Stitch. Se ven productos de Stitch por todas partes, por lo que es muy conocido, pero al mismo tiempo es muy peculiar y tiene características bastante sutiles. Nos llevó mucho tiempo decidir cuál era la combinación exacta de esos elementos que conforman un personaje tan querido, para ser lo más fieles posible en 3D”.
  Hammack continúa: “Hicimos un gran trabajo de desarrollo para llegar hasta ahí, en los matices de los tonos de color, la mezcla del pelaje, el tamaño de los ojos, su forma y el tamaño de las orejas. Al final, creo que conseguimos captar a la perfección la actitud y el espíritu del personaje”
Crear las encarnaciones extraterrestres de Jumba y Pleakley supuso enfrentarse a retos completamente nuevos.
  “Jumba y Pleakley son caricaturas”, explica Hammack, “y Jumba es sin lugar a dudas el personaje más exuberante”. Hay aspectos de su personalidad que se reflejan en su personaje y lo hacen grande y alegre, pero es muy difícil encontrar el equilibrio cuando tienes que situar a este tipo de criaturas en un entorno real. Ambos personajes tienen rasgos muy marcados y sus movimientos tienden a ser un poco exagerados, algo que no se ve en el mundo real. Por eso fue todo un reto trasladarlos al mundo real sin que el espectador se desconectara inmediatamente de la historia”.
  Hammack prosigue: “Pleakley tiene unos brazos flacuchos y gesticula mucho, y cuanto más caricaturescas son las formas y los movimientos, más difícil resulta. Aunque teníamos que mantener ese aspecto animado, debíamos asegurarnos de que no resultaran demasiado aterradores, algo fácil de conseguir con personajes animados en un entorno real. Pero creo que lo hemos hecho muy bien. Pleakley es más tontito, así que fue fácil convertirlo en un personaje simpático y modesto, pero Jumba, al ser tan grande, da bastante miedo, así que debíamos tener muchísimo cuidado”.
  El coguionista Chris Kekaniokalani Bright habla sobre cómo la tecnología cinematográfica moderna permitió a la producción plasmar ideas creativas, y afirma: “La escritura da lugar a ideas que pueden tardar meses en concretarse en la producción. El bucle infinito del portal, por ejemplo, surgió de una conversación con Dean. Nos dimos cuenta de que era increíblemente complicado, pero al equipo le encanta encontrar formas creativas de hacerlo realidad. La tecnología te da libertad para hacer cosas divertidas e interesantes, al tiempo que captura las interpretaciones auténticas y verosímiles de Stitch en el mundo real”.
  Garantizar la autenticidad cultural y capturar la esencia de Hawái era fundamental para el equipo de producción de “Lilo y Stitch”. Eirich hizo hincapié en la importancia de esto al decir: “Para nosotros era muy importante capturar la autenticidad de Hawái, no solo esos maravillosos paisajes, sino también las culturas. Queríamos que la película fuera lo más real posible y que reflejara fielmente cómo se vive aquí la familia y la comunidad”.
  Eirich continúa: “Nuestro guionista Chris Kekaniokalani Bright, que es hawaiano, nos ayudó a reflejar la cultura real, no solo una versión turística. También contamos con un equipo de asesores especializados en la cultura y la lengua hawaianas”.
  “Nuestro equipo de asesores culturales, dirigido por Lāiana Kanoa-Wong, hizo un trabajo formidable” afirma Peitzman. “Se aseguró de que los diálogos, la lengua hawaiana y el uso del pidgin fueran correctos y de que todos los elementos culturales fueran auténticos. Además, el hecho de que Chris escribiera el guion y trabajara con nuestros asesores aportó a la historia la autenticidad de la cultura hawaiana y local”.
  Halprin añade: “El contexto cultural y la autenticidad eran prioritarios. Dean quería asegurarse de que respetáramos los aspectos hawaianos de la historia. Chris Kekaniokalani Bright, nuestro guionista, tiene una profunda conexión con la historia original y la cultura, lo que nos ayudó a ampliar el concepto de 'ohana para que incluyera a la comunidad y al barrio”.
  Rodar toda la película en Hawái era fundamental para hacer justicia a la historia. “Desde el principio decidimos que había que rodar toda la película en Hawái para hacer justicia a la historia”, afirma Peitzman. “Era importante contratar a tanta gente local como fuera posible, y este equipo ha dado un paso al frente y ha hecho un trabajo increíble. Nuestra decoradora de sets, Katrin Chong, buscó los elementos in situ, lo que añade autenticidad a la película”.
  Camp añade: “El equipo de Hawái fue increíble y es una comunidad cinematográfica muy unida. Muchas series de televisión y películas se ruedan en Hawái, así que el equipo tiene mucha experiencia. Normalmente, cuando un director rueda en un lugar que no es habitual, hay mucha gente que debe aprender sobre la marcha porque no hay suficientes proyectos cinematográficos en los que puedan adquirir experiencia, pero en Hawái es totalmente diferente. Hay personas que llevan 20 años trabajando en equipo y se entienden a la perfección. Fue un auténtico privilegio rodar allí”.
  Camp continúa diciendo: “Una de las cosas que más me impresionó es su conexión con la tierra, que es imposible de recrear en ningún otro lugar... Es un sitio único” La tierra, la geografía son increíbles y espirituales, y las personas y las culturas que han surgido en torno a ellas las veneran y se esfuerzan por protegerlas y luchar para preservarlas de la urbanización desenfrenada. Es maravilloso estar rodeado de este espíritu y aprender de él”.
  Halprin añade: “Rodar en Hawái nos permitió mostrar las comunidades locales, no solo la Hawái de postal. Lāiana nos proporcionó información muy valiosa sobre los diálogos, la decoración de los sets y otros elementos importantes de la historia”.
  El diseñador de producción Todd Cherniawsky hizo hincapié en la importancia de la autenticidad cultural. “Una de las mejores cosas de este proyecto ha sido la posibilidad de sumergirme, junto con el departamento de arte, en la cultura de Hawái”, afirma. “No se trataba solo de incluir guiños para el público, sino de que cada decisión estuviera basada en una influencia cultural o una historia. Nuestros asesores culturales han sido fundamentales a la hora de aportar contexto histórico y garantizar la precisión de los diseños del decorado”.
  Rodar en Hawái también fue un sueño para el reparto. “Hawái es absolutamente mágico”, afirma Billy Magnussen. “Desde la comunidad local hasta las costumbres, pasando por la naturaleza y la comida... Es un trocito de cielo en la Tierra. Y el clima y el surf son inmejorables. Es un estilo de vida muy saludable. Poder darte un chapuzón en el mar por la mañana, ir a trabajar y volver a casa para darte otro chapuzón fue un auténtico lujo”.
  Zach Galifianakis está de acuerdo y afirma: “La cultura de Hawái está muy presente en el guion. El concepto de 'ohana es algo real. La gente de allí es muy amable y positiva”.
  Tia Carrere añade: “La verdad es que no hay nada como el hogar. No hay montañas que se parezcan a las montañas Ko'olau. Incorporar otra isla tropical simplemente no tenía sentido”.
  Carrere prosigue: “'Ohana significa familia, y familia significa que cuidarse unos a otros. Familia significa que nos unimos y nos esforzamos por que las cosas salgan bien. Todos hemos trabajado codo con codo en esta película para crear la mejor película posible y compartirla con el mundo”.
  Rodar la película íntegramente en Hawái con un equipo predominantemente hawaiano era crucial para dar autenticidad al proyecto y fue una prioridad para los realizadores desde el primer día. La sensibilidad local aporta profundidad a la película.
  “Aunque no estén delante de la cámara, estar detrás de ella también contribuye a enriquecer la película”, afirma Bright. “Te hace sentir parte de la ʻāina, parte de la tierra, parte del mana y del kuleana. Nuestra responsabilidad es contar esta historia de la forma más auténtica posible”.
  El equipo de producción de Cherniawsky hizo un trabajo extraordinario, asegurándose de que todos los decorados parecieran auténticas casas hawaianas, repletas de objetos que se pueden encontrar en cualquier hogar local. “Queríamos que todo saltara a la vista en la pantalla y que se respirara autenticidad”, afirma. “Trabajamos en estrecha colaboración con los equipos de arte y diseño de escenarios para garantizar que cada detalle, desde las pegatinas de los coches hasta el diseño de la casa Pelekai, fuera auténtico. El objetivo era crear un mundo que se ajustara a la realidad”.
  El diseño de producción equilibra meticulosamente los elementos más entrañables de la película original con actualizaciones innovadoras y un profundo deseo de autenticidad cultural. El resultado es un mundo visualmente impresionante y emocionalmente evocador que rinde homenaje al espíritu de la obra original y la traslada a una nueva era. El diseñador de producción abordó esta historia tan querida con una mezcla de respeto por las culturas y la innovación.
  La transición del estilo de acuarela pintada a mano del original a la acción real trajo consigo sus propios retos y emociones. Carrere está de acuerdo y afirma: “Lo interesante de la primera 'Lilo y Stitch' era que estaba pintada a mano, al estilo acuarela, y creaba un mundo idealizado de Hawái dotado de una gran belleza lírica. Trasladarlo al mundo real siempre es complicado, porque todo el mundo tiene su propia visión de cómo debería ser, y Dean ha captado a la perfección la mezcla de los fondos reales con la animación para que resulte totalmente creíble”.
  El viaje de prospección inicial de Cherniawsky en octubre de 2022 fue fundamental para dar forma al lenguaje visual de la película. Él mismo explica el proceso de prospección y cómo influyó en el diseño. “Estuve en las islas hawaianas unas dos semanas y media, empezando por Kaua'i. Hanapēepēe, en el extremo suroeste de Kaua'i, fue la inspiración original para la ciudad de la película de animación. Mientras exploraba Kaua'i, vi la costa norte, la costa sur, el este y el oeste para comprender la diversidad de paisajes que ofrece la isla”, dice. “Al trasladarnos a O'ahu, intentamos replicar ese recorrido, buscando lugares únicos que no se hubieran filmado nunca, creando una composición con los mejores elementos de las islas”.
  Uno de los lugares clave de la película es la casa de los Pelekai. Cherniawsky describe el proceso de búsqueda y construcción de este escenario fundamental. “El exterior y el interior de la casa de los Pelekai es el lugar más importante de la película” , afirma. “Encontramos tres candidatos potentes, pero una parcela de terreno en la costa de barlovento de 'O'ahu nos llamó poderosamente la atención. Construimos el exterior de la casa Pelekai como una casa tradicional, haciéndola resistente a la intemperie y funcional. Nos llevó unas 12 semanas desde la prospección inicial hasta la apertura del plató. La mayor parte del rodaje en interiores se realizó en el estudio Point Panic, un almacén reconvertido a las afueras del área metropolitana de Honolulu”.
  Bright, que nació y creció en Hawái, reflexiona sobre la experiencia de ver cómo su guion cobraba vida en el plató. “La primera vez que entré en el plató de la casa Pelekai, me quedé alucinado”, afirma Bright. “Era exactamente igual que las casas de nuestras tías mayores, hasta el más mínimo detalle. El cuidado que todos pusieron para que todo fuera perfecto era increíble”.
  Cherniawsky también destaca la importancia que tiene el refugio de animales en la historia: “El segundo lugar más importante de la historia es el refugio de animales, donde Lilo conoce a 626 y le bautiza con el nombre de Stitch”, afirma. “Buscamos por toda la isla y encontramos un lugar único, conocido en la isla como Fong's Plantation, que nunca había sido utilizado en el cine o la televisión. La arquitectura de vigas y cerchas abiertas era perfecta para el personaje de Stitch, ya que le permitía corretear e interactuar con el entorno de una manera divertida y dinámica”.
  Crear los entornos y la tecnología extraterrestres fue otro reto considerable. “Mi tarea consistía en crear entornos que reflejaran la Federación Galáctica y, al mismo tiempo, los integraran en nuestro mundo real”, explica Cherniawsky. “El mayor reto de esta película fue combinar la arquitectura hawaiana con elementos intergalácticos. Utilizamos la idea de la nanotecnología y diseños basados en el agua para crear transiciones fluidas entre estos mundos”.
  Cherniawsky prosigue: “Para la tecnología extraterrestre, como los artilugios de Jumba y los portales, nos inspiramos en la vida marina y en el concepto del caldo primigenio. Nuestros portales se basan en los estados del agua, que pasa de vapor a aire y agua para crear un diseño visualmente coherente e intrigante desde el punto de vista científico”.
  El director de fotografía Nigel Bluck aporta una nueva perspectiva a este clásico animado tan popular. Con una carrera que abarca varios géneros y estilos, el enfoque de Bluck en la película hace hincapié en la autenticidad y la profundidad emocional. Pero también reconoce que al principio no estaba familiarizado con la película animada original.
  “Tenía muy pocos conocimientos sobre animación”, afirma Bluck. “Sin embargo, al verlo e investigar su importancia, me di cuenta de su relevancia para Hawái y su gente. Eso es lo que más me atrajo. Eso y el hecho de que lo dirigiera Dean Fleischer Camp. Me encantó 'Marcel la concha con zapatos' y pensé que una versión con tanta sensibilidad sería muy interesante”.
  Tras numerosas conversaciones con el director, Bluck decidió centrarse en basar la película en la realidad. “Nuestras conversaciones siempre giraban en torno a encontrar un sentido a la realidad”, explica Bluck. “Queríamos ver a Stitch a través de los ojos de Lilo, que tiene una visión mucho más inocente de su existencia, y no desde el punto de vista de un adulto”.
  Rodar escenas con Stitch, que se añadirían posteriormente en la fase de posproducción, supuso un reto considerable para Bluck y su equipo. Debían asegurarse de que la presencia de Stitch no limitara el trabajo de la cámara. “Intentamos rodar todas las escenas como si fueran normales y luego aplicar ingeniería inversa a Stitch”, explica Bluck. “Este método requirió una planificación minuciosa y un conocimiento profundo de las dimensiones físicas y los movimientos de Stitch para integrarlo a la perfección en las escenas”.
  Y la autenticidad fue fundamental durante el rodaje en Hawái. “Siempre quisimos asegurarnos de que el público tuviera la sensación de estar en Hawái en la medida de lo posible”, afirma Bluck. “Intentamos impregnar la película con todos los aspectos con la cultura de la isla, pero de una forma menos obvia”.
  La película animada, que contaba con música original compuesta por Alan Silvestri, es especialmente memorable porque incluye música hawaiana auténtica y canciones de Elvis Presley. En lo que respecta a la música de la película de acción real, los realizadores querían rendir homenaje a la música que la gente recordaba de la original, pero también buscar nuevas formas de incorporar a personas hawaianas, entre ellas la madre de Bright, Lynell K. Bright.
  Bright es el director del Coro Infantil de las Escuelas Kamehameha, un coro compuesto por niños de primaria que interpretó parte de la música hawaiana auténtica de la película original y participó en varios números de la película de acción real, entre ellos Henehene Kou 'Aka y He Lei Pāpahi No Lilo a me Stitch, en los que el coro se une al vocalista hawaiano Mark Keali'i Ho'omalu. En Hawaiian Roller Coaster Ride, se les une el vocalista nacido en Hawái Iam Tongi, ganador de la vigésimo primera temporada de “American Idol”.
  El Coro Infantil de la Escuela Kamehameha está compuesto por 40 niños de 9 a 12 años. “Estos niños son muy especiales”, afirma Lynell K. Bright. “Este proyecto es muy importante para ellos porque todos son descendientes de nativos hawaianos y hablan Ōlelo Hawaiʻi, así que fue un gran honor volver a participar en esta entrañable historia”
  Otra canción de la película animada, que se puede escuchar durante los créditos finales (y que aparece en la banda sonora de “Lilo y Stitch”, con música original compuesta por Dan Romer, disponible en Walt Disney Records), es Burning Love. La canción, que se hizo popular en los años 70 gracias a Elvis Presley y fue interpretada por Wynonna Judd en la película de animación, está interpretada por Nyjah Music & Zyah Rhythm, dos jóvenes músicos que nacieron y crecieron en la costa norte de Oahu y que, casualmente, son sobrinos del artista ganador de un premio GRAMMY® Bruno Mars.
  La confianza en el director Dean Fleischer Camp quedó patente en todos los aspectos de la producción. “Conozco a Dean hace mucho tiempo, así que cuando me pidió que participara en la película, no lo dudé ni un segundo”, afirma Galifianakis. “Sabe lo que hace y se nota que tiene confianza en sí mismo, ya que estaba dispuesto a salirse un poco del guion, lo que también permitió a los actores respirar y aportar su granito de arena sin sentirse muy controlados”.
  A Courtney B. Vance le gustó el enfoque detallado y bien preparado que el director había dado al proyecto. “Dean se implicó muchísimo en todo”, afirma Vance. “Gran parte de su trabajo consistió en retocar la historia y, al final, eso se convierte en parte del tapiz. Todo forma parte de contar la historia, lo que al principio es agotador, sobre todo con el trabajo minucioso que conlleva el cine, pero él lo gestionó todo excepcionalmente bien”.
  Trabajar con el director fue una experiencia enriquecedora para Sydney Elizebeth Agudong. “Una de las primeras veces que hablamos sobre Nani en concreto, todo giró en torno al amor que rodea a la familia, la 'ohana, que es el tema principal de la película. Ambos coincidimos en que la historia es una situación familiar muy real con la que es fácil identificarse, pero eso no significa necesariamente que sea una familia rota. Cualquiera puede ser familia y eso fue lo más importante para nosotros al desarrollar el personaje de Nani”
  Carrere elogió el enfoque del director para la película, basándose en su admiración por su trabajo anterior. “Había visto 'Marcel, el caracol con zapatos' antes incluso de saber nada de 'Lilo y Stitch' o de que Dean iba a trabajar en la película”, afirma. “'Marcel' me conmovió muchísimo, algo que no esperaba de una película de animación. La mezcla, el enfoque suave, el toque delicado y hábil que le dio al espacio en el que vivía Marcel transmitían una sensación de intimidad y modestia”.
  Cherniawsky también elogió al director, diciendo: “El enfoque de Dean respecto al material fue empático y sensible, algo crucial para una historia tan arraigada en la cultura popular”.

GALERÍA DE FOTOS