INFORMACIÓN EXCLUSIVA

ENTREVISTA AL DIRECTOR...
Cuéntenos cómo surgió la película...
Es un proyecto que tengo en mente desde 2003, cuando empecé a hacer pequeños cruceros fluviales con mi familia. Me encantaba este tipo de vacaciones. Poco a poco, fui descubriendo multitud de canales: es muy fácil viajar en barco desde el sur de Francia hasta Alemania, e incluso más allá, porque la red de estos canales es muy rica. Pero para este tipo de viaje se necesita una relación tranquila con el tiempo. Soñaba con una historia que pudiera desarrollarse con este ritmo y en este escenario. La historia de este falso crucero se injertó en él, y me sedujo el efecto troupe.
Mi amor, sin duda, por To Be or Not To Be, de Ernst Lubitsch, que he visto una y otra vez y que tanto me ha impactado...

Una compañía teatral que hace una acrobacia, como Lubitsch, salvo que en la película es un poco acrobacia...
Una estafa, pero colectiva. Lo encuentro jubiloso.
Disfruté filmando la preparación, que para mí es una reminiscencia de la febril y alegre preparación para el rodaje.

Un jefe (Daniel Auteuil) dispuesto a gastarse catorce mil euros para que su colega le organice un insólito fin de semana romántico. Una empleada (Sandrine Kiberlain) y su marido (Denis Podalydès) ven en ello la oportunidad de sanear sus finanzas y las de sus amigos... mientras los estafan con delicadeza. En la película, todos manipulan a todos...
Los personajes distan mucho de ser perfectos.
Son simpáticamente imperfectos, sin mucha preocupación moral.

Ya sean ricos - Franck, el jefe (Daniel Auteuil) - o pobres - la mayoría de los demás personajes-, el dinero es, en última instancia, como un juego; los estafadores escatiman y rascan donde pueden, pero tan torpemente que resulta divertido y bastante encantador. Franck ve todo esto y lo deja hacer: no se trata del dinero, sino de la diversión...
En cualquier caso, un cierto entusiasmo. La precisión de los gestos de Florence Muller cuando se pone de pie, con ese pequeño movimiento para enderezarse la chaqueta mientras sirve a los invitados, es conmovedora, con una mezcla de preocupación y buena voluntad. Cuando la vi en el montaje, me sentí como si estuviera releyendo a Hergé, por el aspecto “bien dibujado”.
Es tan divertida y tan conmovedora al mismo tiempo.

Sin embargo, esta alegría se ve un tanto ensombrecida por los celos de Albin, el personaje interpretado por su hermano, Denis Podalydès. Unos celos feroces que a menudo rozan lo burlesco...
Denis supo interpretar el papel de un hombre mezquino y celoso, casi como de Funès, pero que luego se vuelve más frágil. No tiene ningún deseo de implicar a su mujer en esta estafa. Hay un cambio en la película al cabo de media hora y me gustaría que no se desvelara de antemano. Me gustaría preservar esta sorpresa para el público.

Antes ha mencionado el efecto troupe. En “El barco del amor”, encontramos a muchos de sus cómplices. Pero no a todos...
No siempre tengo un papel para todos. Lo bueno es que siempre puedo contar con ellos. Ninguno de ellos se detiene ante el grosor del papel: pienso en Patrick Ligardes que, al principio de la película, interpreta al tipo que pilla a mi personaje robando una barcaza a pedales y le confía la barcaza.
Es una escena sencilla que interpreta con gran generosidad.

Dos recién llegados se unen a la pandilla: Daniel Auteuil y Dimitri Doré...
Siempre evito pensar en actores y actrices cuando escribo porque, gracias al reparto, el personaje adquiere un alma completamente nueva, algo que no forma parte del programa.
El actor siempre va un paso más allá del guion, y a veces incluso contradice al personaje escrito.
Contar con Daniel Auteuil fue una verdadera oportunidad. Leyó el guion enseguida y me telefoneó enseguida. Al final de la conversación, ¡nos estábamos besando! Daniel aporta una gran delicadeza a su personaje, algo fundamentalmente simpático que nos salva del riesgo de encontrarnos ante un ligón engreído y hastiado.
Un día, en el plató, Daniel me dijo: “Espero que mi alegría por estar aquí no contamine demasiado al personaje...”. Le contesté que, al contrario, el entusiasmo de Franck le añadía un lado desarmante y más complejo. En cuanto a Dimitri Doré, que interpreta a Ifus, el joven musgo, no le conocía. Le conocí durante el casting. Tiene una increíble afición por las películas de slapstick y conoce mejor que nosotros todas las viejas comedias francesas, con todos los personajes secundarios como Jacques Dynam y Jacques Balutin.
Le vimos en 2020 como asesino -con una gravedad increíble- en Bruno Raidal, de Vincent Leport. Estaba muy contento de pasar a la comedia, casi mudo. Es un actor muy prometedor.

Es la tercera vez que se reúne con Sandrine Kiberlain...
Llevaba mucho tiempo hablando con ella de este proyecto. La esperé un año. Interpretó sutilmente a una Justine que no cede, que dirige el baile, sin dejar de ser risueña y ligeramente inquieta.

Sin desvelar demasiado de la trama, volvamos a estos buscavidas que hacen todo lo posible por representar los papeles que ellos mismos se han asignado: Florence Muller, hipnotizadora por derecho propio; Jean- Noël Brouté como un vigilante de museo que cuelga sus propios cuadros en las paredes y que pronto se convertirá en guardián de las cerraduras; Denis Podalydès como un organizador de viajes; e Isabelle Candelier como una gitana y una crítica americana... Como siempre en sus películas, todas emanan un increíble sentido de la fantasía. ¿De dónde procede? ¿De la infancia?...
¡Desde hoy! Nunca me canso de escuchar a la gente. Escucho sus conversaciones y tomo notas.
Las sesiones de hipnosis surgieron, por ejemplo, cuando conocí a una camarera en el bar de un tren TGV. Me reconoció, le gustaron mis películas y charlamos un rato. Su pasión era la hipnosis. No paraba de decirme: “La clave de todo está en tu ombligo, siempre tienes que volver a tu ombligo”. En los peores momentos intenté pensar en mi ombligo, sin demasiado éxito, pero ahí está, no lo he olvidado.
Y me gusta lo inesperado, las bifurcaciones en el camino. Intento escribir mis escenas en el momento, para que cobren vida propia sin preocuparme demasiado por respetar la progresión dramática.
Me gusta cuando en una escena ocurre algo que se sale un poco del tema o que rompe el curso de lo que habíamos planeado. Hacia el final, los personajes interpretados por Sandrine Kiberlain y Daniel Auteuil están cenando, y entonces empiezan a jugar al backgammon, lo que se convierte en una parte extraña de su programa nocturno; crea una fase ligeramente desconcertante, que añade encanto a la vida en general.

Película tras película, parece ir cada vez más lejos en esta línea...
En “El barco del amor “, en cualquier caso, existía el placer de ir a toda velocidad, de no preocuparse por la famosa exactitud, la verosimilitud. Fue divertido ir a por todas, utilizando acentos y todas esas cosas infantiles, ¡ir al límite! Quería que la película fuera desenfadada. Cuando buscaba el “café chanté”, por ejemplo, visité varios bares.
“Pensé: “eso es banal”. Decidí que fuera ruidoso, colorido y que los artistas le dieran vida. Fue el mismo planteamiento para el vestuario, el atrezzo, los decorados... Desde el principio, el guardia del museo (Jean-Noël Brouté) lleva un increíble traje de guardia digno de un oficial ruso.

Usted e Isabelle Candelier no se quedan atrás. Ni Daniel Auteuil con su sombrero de Panamá...
No hay que decirles a los actores que se vistan dos veces. En las pruebas, era un festival. Y a menudo es en esta fase cuando se encuentran los personajes: el chubasquero malva de Karin Viard en “¡Wahou!”, por ejemplo... Aquí, el lado un poco “outré” del vestuario dio enseguida la pauta. Es un poco como “Guignol”. Todo juega...

Como siempre en sus películas, el atrezzo juega un papel importante: la mano articulada que agarra el dinero de las propinas al pasar por cada cerradura, el código de barras de la pizarra, el banco de plástico que se infla con el viento...
Tengo un excelente atrezzista, Bruno Lefebvre.
Le hago un dibujo y él se encarga de construir el objeto. Como la mano tenía que ser retráctil -su soporte se extiende y luego la mano se cierra y agarra el billete-, su fabricación fue muy compleja.
El código de barras -no se ve, pero funciona de verdad- lo pintó todo el equipo a mano.
En cuanto a la hamaca hinchable, hay una en el mercado: no hay que inflarla, es como una gran manga de viento, corres y el viento la llena de aire para transformarla en hamaca, lo que da lugar a gestos cómicos o graciosos.

Paradójicamente, en medio de toda esta alegría y bullicio bonachón, el propio ritmo del barco, filmado en plena naturaleza, confiere una auténtica sensación de plenitud. ¿Diría usted que ¿Es “El barco del amor “ en cierto modo un elogio de la lentitud?...
Puede que sí. Durante el rodaje, llamé a la película “Slow & Quiet” para hacer reír al equipo. “Slow & Serene”, lo contrario de “Fast & Furious”.
Nos movimos muy despacio al ritmo de la barcaza: cinco nudos por hora como máximo, la velocidad reglamentaria que protege las orillas.
Como la gabarra es un barco muy estable que navega por aguas tan tranquilas, pudimos filmar con una cámara independiente, lo que suele ser imposible de hacer en la mayoría de los barcos. Tuvimos tiempo de observarlo todo: los primeros planos, los árboles que daban sombra al camino de sirga, los campos iluminados por el sol que había detrás. No me cansaba de hacerlo. En cuanto veíamos vacas, las grabábamos.
Guardé algunas tomas de seguimiento realmente bonitas que me habría gustado mostrar más. Y entonces cada esclusa se abre a un nuevo tramo (segmento entre dos estructuras), un nuevo paisaje como una nueva tierra.

Una armonía que el personaje interpretado por Daniel Auteuil intenta romper brevemente...
Siempre hay alguien en la vida que te hace señas para que vayas más rápido. Esta escena me hace reír porque se parece un poco a mí en las garras de los eternamente impacientes, los que quieren que las cosas vayan cada vez más deprisa (al decir esto, no estoy pensando en mi productor, que entendió muy bien mi proyecto).
Casi todos tenemos esta especie de miedo al aburrimiento, ¡incluso cuando todavía no lo sentimos! Esta escena es un poco metafórica.
El capitán que soy en la película se vuelve hacia Daniel y le dice: “¡Disfruta!

Usted menciona los “biefs”: siempre aprendemos palabras nuevas en sus películas...
Me gustaría que al menos recordáramos esa.

¿Fue fácil encontrar la barcaza?...
Nos la prestó la compañía de chárter con la que siempre alquilaba barcos cuando salía de crucero.
Este barco me resultaba tan familiar como el piso de “Versailles Rive-Gauche”. Estos barcos están muy bien distribuidos, lo que permite una gran variedad de situaciones: sin pasillos, cuatro camarotes alrededor de un salón central, un pequeño banco en la proa, una terraza en la popa.

Has mencionado el encanto de las esclusas: los escenarios en los que se detiene la pandilla son tan insólitos como encantadores...
Sí, es una verdadera escenita de teatro cada vez.
Se diría que estás en un circuito de trenes eléctricos Jouef. Cuando rodábamos delante, a veces quería hacer una panorámica de 360° para mostrar lo maravillosos que son estos sitios.

Esta es la cuarta película que realiza con el director de fotografía Patrick Blossier. Podemos decir que ahora forma parte de la empresa?...
Estoy muy contento de que hayamos llegado tan lejos juntos. Es un director maravilloso y un gran amigo. En “El barco del amor”, tuvimos que hacer frente a problemas que iban mucho más allá de la simple cuestión de la imagen: problemas casi de ingeniería con las esclusas y el barco. Patrick es un verdadero cómplice: se interesa por la película, por su significado y no sólo por su campo. Me hace preguntas sobre el guión, tiene una visión global, una vigilancia que me ayuda enormemente. También tiene una relación carnal, sensual, con la realidad de las cosas, y evidentemente con la luz.
No nos referimos a cuadros ni a otras películas: estamos en la permeabilidad del momento.
Con la elección del verdadero scope (una elección importante con hermosos objetivos scope), abrazamos el mundo, las dos orillas del canal.
La barcaza blanca: es como la novia vestida de blanco que se ve en cada plano.
Si hablo de Patrick Blossier, también tendría que mencionar a todos mis colaboradores de siempre, como Laurent Poirier, mi fiel ingeniero de sonido, mi querida editora Christel Dewynter, Quentin Jansen, mi maravilloso ayudante y, por supuesto, el equipo de Why Not, que lleva conmigo desde “Sólo Dios me ve”.

Combinas los papeles de director y actor. Además del de piloto de barcaza...
Sí, había tomas en las que llevaba los tres sombreros a la vez. Cuando la tripulación me veía llegar por la mañana con este traje blanco brillante, me llamaban “Mi Capitán” y era tan alegre como una opereta.
Tenía un video feedback escondido en el salpicadero del barco, así que controlaba tanto la toma como el buen funcionamiento del barco. A veces me entraban sudores fríos, como en la escena en la que la barcaza tiene que pasar por debajo de un puente en el que se balancea una niña. Era entonces cuando había que controlar la velocidad al centímetro, sin dejar de actuar. Estaba muy concentrado.

¿Cómo dirige a los actores, a la mayoría de los cuales conoce tan bien?...
Se trata de hacer que se sientan lo más cómodos posible para que florezcan en la toma. Sobre todo, creo mucho en la porosidad entre los actores. Es el efecto del banco de peces. Llega un nuevo actor en medio y eso crea un efecto de sincronía coreográfica. Todos los actores vivían juntos, se alojaban en la misma casa y cenaban juntos.
Me gusta la idea de camaradería. Para mí, es lo que hace a un buen director: personas a las que no les importa estar en primer plano frente a la cámara, que aceptan dar la espalda a la cámara para enviar a sus compañeros sus líneas, que mantienen el ritmo general sin preocuparse necesariamente de su propio diálogo. Había una especie de armonía. Estábamos muy contentos de reunirnos cada mañana para tomar un café en cubierta. Era un regalo. Para mí, eso es dirigir: una atmósfera.

Por primera vez, en este crucero improvisado, aparecen jóvenes en un velero, diferentes, más rápidos, que quizás recuerdan a los héroes su finitud...
Me hizo gracia esta especie de simple polarización entre esta vieja pandilla que va a cinco nudos y ellos que van navegando. El contraste era gracioso: cuando el velero les adelanta, tienen una reacción: “¡Bueno, ni siquiera van a la velocidad legal! Es la clásica fricción generacional, casi tierna.

Los jóvenes se dirigen hacia el mar, hacia el futuro, en nombre del “Ya que todo está perdido, todo está permitido”, mientras que los demás siguen un camino más esperado... ¿Hay algo de nostalgia en todo esto?...
Espero que no. Lo que hace este pequeño grupo de jóvenes en la película es volver a la realidad, a nuestro mundo lleno de turbulencias. Se enfrentan a él con lucidez y poesía. Alrededor del fuego, buscan sus palabras en un áspero slam. Revelan lo que todos pulsamos cada vez que entramos en una página web: “Continuar sin aceptar”. No buscan mejorar las cosas, sino crear, abrir otro camino. ¿No es eso lo que esperamos de los jóvenes?
Estoy muy contento de haber obtenido los derechos de la hermosa música que les acompaña por las tardes: “Washington”, de Jake Xerxes Fussel.

Háblenos de la música, que combina “Le Petit Vin blanc”, esa conocida melodía de guinguette, con Beethoven, incluyendo “Elle était si jolie”, el éxito de Alain Barrière, y una canción de Charles Berberian...
“Le Petit Vin blanc” es un estereotipo alegre que me gusta mucho, como todas las melodías de guinguette para el caso. Es tan bueno sacar una botella fresca del río con esta melodía. Y es tan bueno reencontrarse con las canciones de tu juventud -o la de otros-, tus primeras penas, tus primeros amores.

Está claro que concedes especial importancia a estas elecciones...
Sí. Y si he decidido trabajar sin partitura original desde “Bancs publics”, es porque ya no me gusta pensar en la música como un todo, con variaciones sobre sólo dos o tres temas. Y no quiero anticiparla antes de rodar. La música es como un actor que llega a la escena de una película, es algo extra. Estas piezas surgen libremente durante el proceso de montaje. Gracias a ellas y a esta heterogeneidad, cambiamos de espacio-tiempo, de “alcance musical”, según las escenas, como en la vida.

¿Algo sobre la edición?...
Hacer una película a ritmo lento es más difícil porque se ve todo. Se podría comparar con el trabajo de un mal mago, que haría sus trucos muy deprisa para ocultar el truco, y el de un buen mago, que los haría muy despacio para dejar que el milagro se produjera en nuestras mentes. También tuvimos que asumir la repetición de las esclusas, tanto como gag corriente como capítulo visual del crucero.

Siempre hay finales abiertos, si no felices, en sus películas...
Es cierto, mis películas rara vez tienen finales cerrados, y a menudo tienen cajones; no me apetece poner los puntos sobre las íes. Sin duda porque espero que el espectador continúe el viaje más allá del último plano, que se quede con la película en su imaginación.

¿Por qué eligió el título original de “La Petite Vadrouille”?...
Es clara y modestamente un homenaje a la obra maestra “La Grande Vadrouille” que iluminó mi infancia. Admiro la precisión, la sencillez y la humanidad de la dirección de Gérard Oury.

GALERÍA DE FOTOS